FLEMING Victor (1883-1949)

Cinéaste américain connu pour être l'un des réalisateurs du film culte "Autant en emporte le vent" (1939, couleur), il est aussi celui d'un film musical lui aussi entré dans la culture américaine : "Le magicien d'Oz". Tourné en 1939, c'est un des tout premiers films en couleur, et il est, de ce point de vue, magnifique. C'est évidemment l'adaptation du célèbre roman/conte pour enfants de L. Frank Baum, où une jeune fille, Dorothy, part vivre en rêve des aventures merveilleuses et effrayantes, rencontrant des personnages étranges comme des sorcières, et trois compagnons de route, un lion peureux, un épouvantail sans cerveau et un homme de fer blanc sans cœur... Le but est de demander de l'aide au magicien d'Oz. Vous avez sans doute lu ça petits (je vous le souhaite ; moi j'ai lu ça "grand"), et l'histoire est assez compliquée pour ne pas chercher à la résumer. Judy Garland, l'une des stars des "musicals" hollywoodiens, n'est pas aussi jeune que le voudrait le rôle, mais le film est un enchantement, et la magie opère. On se laisse mener comme un enfant par cette histoire qui fait aussi un peu peur... Quant à la chanson "Somewhere over the rainbow", c'est un classique...



CURTIZ Michael (1886-1962)

Cinéaste américain d'origine hongroise, il a été un auteur hollywoodien prolifique, mais ne vous précipitez pas sur ses 80 films, car un seul est considéré comme un chef-d'œuvre : "Casablanca" (1942, noir et blanc). En 1941, Rick (joué par Humphrey Bogart), un patron de boîte de nuit exilé de France à Casablanca à cause de l'occupation allemande, cynique et désabusé par une déception amoureuse, voit débarquer la femme qu'il aime (Ingrid Bergman) et qui l'a abandonné deux ans auparavant. Accompagnée de son mari, important chef de la résistance, elle lui demande de les aider à prendre la fuite pour qu'il puisse continuer son combat contre les nazis. Entre l'amour et le devoir, Rick doit trancher... Film romantique à la situation originale, il est justement célèbre, surtout pour l'excellence du jeu des deux acteurs principaux... Emotion, beauté des sentiments, grandeur tragique d'un choix racinien, et aussi le thème musical qui sert de leitmotiv au film et à l'amour, "As times gœs by", font de ce film un chef-d'œuvre...



CHAPLIN Charlie (1889-1977)

Bien sûr, il est ultra connu, surtout pour son personnage de Charlot, devenu un archétype de l'humour, mais c'est aussi un immense cinéaste, dont les mises en scène sont réglées au cordeau et les idées géniales. Même ses sketches de quelques minutes montrent une maîtrise et une invention remarquables. Malgré l'âge évident de ces films (les mouvements accélérés, l'état de la pellicule, les costumes, décors etc), son génie n'a pas vieilli. Ses chefs-d'œuvre sont :
- "La ruée vers l'or" (1925, noir et blanc), une histoire classique de Charlot, mais pleine d'humour et de tendresse.
- "Les temps modernes" (1936, noir et blanc), une belle critique du machinisme industriel et de la condition ouvrière.
- "Le dictateur" (1940, noir et blanc), est une critique ouverte et magistrale d'Hitler et Mussolini, et fut interdit en Europe pendant la guerre par peur des répercussions politiques. Parmi les meilleures scènes, il y a celle où Hynkel (Hitler) joue et danse avec le globe terrestre, un moment de poésie vraiment géniale.



LANG Fritz (1890-1975)

Cinéaste allemand classique parmi les classiques, (notamment pour "le Docteur Mabuse" et le très célèbre "Metropolis"), dans la mouvance de l'expressionnisme, il est aussi l'auteur d'un des films les plus réputés de l'histoire du cinéma : "M le maudit" (1931, noir et blanc). L'acteur Peter Lorre, avec son visage très particulier (rond avec de gros yeux), joue un maniaque assassin d'enfants, traqué à la fois par la police et par la pègre que les contrôles policiers accrus dérange dans ses affaires. C'est cette dernière qui va l'attraper et commencer à faire le procès de l'assassin... Film puissant, oppressant, d'un noir et blanc magnifique, où l'ombre du tueur plane sur Berlin toute la première partie du film.



MILESTONE Lewis (1895-1980)

Cinéaste américain d'origine moldave, il est l'auteur d'un des plus beaux films sur la guerre : "A l'ouest rien de nouveau" (noir et blanc). Ce qui, pour un spectateur d'aujourd'hui, fait l'une de ses forces, c'est qu'il a été filmé en 1930, avant la seconde guerre mondiale, et qu'il raconte donc la guerre 14-18 avec le regard de quelqu'un qui ne sait pas qu'il y en aura une deuxième ! Autre force du film, il raconte les faits vus par des soldats allemands et non français ou alliés. Enfin, il montre avec évidence que, s'il a forcément vieilli (plus de 80 ans !), la représentation de la guerre peut très bien se passer des moyens techniques déployés pour un rien par les films d'aujourd'hui : les scènes de bataille sont très réalistes et n'ont pas grand chose à envier à nos trucages numériques... C'est un grand film humaniste, où un groupe de lycéens galvanisés par les discours enflammés de leur professeur nationaliste s'engagent dans l'armée pour aller se battre... L'enthousiasme patriotique fait vite place à la désillusion, la mort, l'horreur absurde de la guerre. Parmi les scènes importantes, il y a celle où, lors d'une permission, l'un d'eux (le personnage principal) tente de convaincre les élèves qui ont remplacé ses camarades dans la classe, de la supercherie de la guerre et des discours nationalistes, et se fait chasser... Autre scène marquante : dans un trou d'obus où il s'abrite des tirs, le personnage principal assiste à l'agonie d'un soldat français... Film à voir.



LAUGHTON Charles (1899-1962)

Acteur anglais naturalisé américain, il est le cinéaste d'un seul film, considéré comme classique parmi les classiques : "La nuit du chasseur" (1955, noir et blanc), en raison de son caractère étrange et atypique. Un criminel se fait passer pour un pasteur et épouse la femme d'un ancien co-détenu pour tenter de trouver le butin que ce dernier a caché... Une lutte s'engage entre les deux jeunes enfants de cette femme et le faux pasteur, dans une atmosphère ambiguë provoquée par la personnalité trouble du prêtre incarné par Robert Mitchum, franchement inquiétant, une mise en scène et en lumière particulière, poétique, parfois proche du cauchemar, entre bien et mal, amour et haine, ombre et lumière... C'est loin d'être le plus grand film de l'histoire, mais il a un charme à part.



HITCHCOCK Alfred (1899-1980)

L'un des noms les plus connus du cinéma mondial, personnage typiquement britannique dont tout le monde sait qu'il passe comme figurant dans la plupart de ses films, et dont la filmographie est pléthorique. A vrai dire, il n'est pas question pour moi de parler de tous ses bons films ni de présenter son œuvre, car, pour ça, il y a beaucoup mieux que cette liste sur le net. Mais je vais me contenter de citer ce qu'on peut sans doute considérer comme ses meilleurs films. Maître du suspense, il est indéniable que sa production est essentiellement commerciale et vise le grand public. Mais sa patte et son savoir-faire font de lui un réalisateur admiré de toute la cinéphilie. Pour un public jeune et habitué aux grosses machines des grands studios actuels, les films d'Hitchcock peuvent paraître vieillots, les effets spéciaux, quand il y en a ("Les oiseaux", par exemple), sont dépassés, et la mise en scène, il faut le reconnaître, est parfois lourde, mais la manipulation qu'il fait du spectateur est souvent fine, habile, l'humour est presque toujours présent, et on prend beaucoup de plaisir à se laisser mener.
Parmi les plus effrayants, les plus tendus, il y a évidemment "Psychose" (1960, noir et blanc), et "Les oiseaux" (1963, couleur), le premier étant un chef-d'œuvre du genre, grâce notamment à la beauté de Janet Leigh, le trouble d'Anthony Perkins et surtout à la musique de Bernard Hermann, un modèle du genre... La scène de la douche est un morceau d'anthologie.
Dans les films à suspense "sérieux" (sans humour), il y a notamment "La maison du docteur Edwardes" (1945, noir et blanc) avec Gregory Peck et Ingrid Bergmann, deux stars hollywoodiennes, "Frenzy" (1972, couleur), méconnu mais redoutable d'efficacité, et aussi "L'inconnu du Nord Express" (1951, noir et blanc).
Parmi les grands classiques alliant action, suspense et humour, il y a "Fenêtre sur cour" (1954, couleur), "La mort aux trousses" (1959, couleur)...
Et puis dans ceux qui sont plus résolument légers, bien que toujours centrés sur un crime, il y a les rafraîchissants "Mais qui a tué Harry" (1945, couleur) et "Complot de famille" (1976, couleur).
Je ne les détaille pas tous, et il y en a beaucoup d'autres à recommander, mais avec ceux-là, vous ne vous tromperez pas...



CUKOR George (1899-1983)

Cinéaste américain à la filmographie nombreuse, certains de ses films sont des classiques, notamment en matière de comédie, mais il a fait aussi des films graves et des thrillers. Parmi ses beaux films :
- "Indiscrétions" (1940, noir et blanc) : un chef-d'œuvre de la comédie américaine, avec trois stars au mieux de leur carrière, Katharine Hepburn, Cary Grant et James Stewart, des dialogues acérés qui fusent tout au long du film, une mise en scène impeccable, aucune longueur, et un ton délicieux... Une jeune femme de la haute société, divorcée et d'un caractère affirmé, a décidé d'épouser, sur un coup de tête, un homme d'affaires... Cela attire dans la propriété parentale son ex-époux, Cary Grant, et un journaliste de la presse à scandales, James Stewart, formant un trio que les quiproquos vont mettre en état de crise... Un régal.
- "Une étoile est née" (1954, couleur) : film un peu long et un peu lourd, plus grave que drôle, il met en scène un couple étonnant : James Mason en alcoolique invétéré et auto-destructeur, et Judy Garland en étoile montante de la comédie musicale... Des numéros de music-hall, des moments d'émotion et de tragédie, et une scène finale bouleversante. Ça n'est pas un très grand film, mais ça reste un classique.
- "Le milliardaire" (1960, couleur) : une comédie qui confronte Marylin Monrœ à... Yves Montant ! Le rôle était initialement prévu pour Cary Grant, qui aurait été nettement préférable, et notre star française, non seulement joue le rôle d'un homme moralement médiocre, mais il est lui-même médiocre en tant qu'acteur. Le scénario a des longueurs et des laideurs morales parfois ennuyeuses : un français milliardaire, dont la famille a réussi aux Etats-Unis depuis 7 générations, tombe amoureux d'une artiste de music-hall, qui ignore son identité et, suite à un quiproquo, le croit un acteur vivant dans la misère ; celle-ci le prend en affection, tandis que lui décide de s'en faire aimer pour lui-même, et non pour sa richesse, comme toutes les femmes qu'il séduit d'habitude. Or, contrairement à son vœu, il ne va pas arrêter de tricher, de faire jouer son pouvoir et son argent pour forcer les choses, et, évidemment, finit par arriver à ses fins, ce qui est tout de même profondément immoral. Mais, malgré ses faiblesses, ce film nous montre une Marylin absolument irrésistible, moins comme sex symbol (elle a pas mal épaissi et, deux ans avant sa mort, l'actrice est psychologiquement instable, mais il faut reconnaître qu'elle est craquante dans ses numéros), que pour son jeu unique, touchant de fraîcheur, de naïveté, de gentillesse. Le film vaut pour et par elle.
- "My fair lady" (1964, couleur) : un bijou du film musical où Audrey Hepburn fait un numéro parfait et adorable. Londres à la Belle Epoque, un professeur imbu de sa personne et de son savoir, spécialiste de la langue et des accents, décide, suite à un pari, de transformer une jeune femme du peuple qui parle avec un terrible accent cockney, Eliza, en princesse. Le film nous montre la succession d'épreuves imposées à la malheureuse, qui progresse en plusieurs étapes ponctuées par des scènes souvent très drôles, comme la première mise en situation, à Ascott, où toute la haute société londonienne vient assister aux courses, et où la raideur empruntée de la demoiselle craque un peu... Comédie impeccable, rehaussée par les décors et les costumes, un moment de bonheur...



WYLER William (1902-1981)

Cinéaste américain d'origine alsacienne (et oui, c'est possible), il est connu surtout pour "Ben-Hur" (1959, couleur), le péplum aux onze oscars, production monumentale de 3H30 célèbre pour sa course de chars d'une demi-heure, mais ça n'est pas de ce film que je souhaite parler. Il est aussi l'auteur d'un bijou sans défauts, une comédie qui a révélé l'exquise et irrésistible Audrey Hepburn : "Vacances romaines" (1953, noir et blanc). Une princesse lassée du protocole très strict auquel sa condition la contraint, lors d'une tournée de représentation dans les grandes capitales du monde, décide un soir de fuguer dans Rome, alors qu'elle est sous l'effet d'un somnifère. Droguée, elle est recueillie par un journaliste (Gregory Peck) qui, la reconnaissant, voit là l'occasion de faire un article sensationnel capable de lui rapporter beaucoup d'argent. Avec l'aide d'un ami photographe, il la promène le lendemain dans Rome et lui fait découvrir la ville et les plaisirs touristiques d'une vie simple, sans la prévenir de ses intentions... Mais la fugue doit finir et l'amour va contrecarrer les plans du journaliste. Pas de temps mort dans cette comédie où Audrey Hepburn, pour son premier grand rôle, est irrésistible, délicieuse, exquise etc... Mais la légèreté n'empêche pas l'émotion qui serre la gorge à la fin du film...
On peut voir aussi avec plaisir la comédie "Comment voler un million" (1966, couleur), avec la même Audrey Hepburn en fille d'un faussaire farfelu amenée à faire un casse dans un musée pour sauver celui-ci de la prison, avec la complicité d'un expert en art (Peter O'Toole)... Charmant.


POWELL Michael (1905-1990)

Cinéaste anglais, il a fait un chef-d'œuvre troublant : "Le voyeur" ("Peeping Tom" en anglais, 1960, couleur). Pas un film érotique au sens habituel (pas de corps dénudés), mais qui parle bien d'un désir pervers. C'est l'histoire d'un homme obsédé par l'image qui se promène partout avec une caméra, mais dont l'obsession prend une autre dimension beaucoup plus trouble et inquiétante lorsqu'il fait des photos de charme... Un film fort, qui a en partie vieilli, mais dont le trouble, la beauté visuelle (couleur et cadrages magnifiques) et le suspense n'ont pas pris une ride.



REED Carol (1906-1976)

Cinéaste anglais dont le chef-d'œuvre est le plus connu de ses films, "Le troisième homme". Film en noir et blanc magnifique de 1949, il raconte une histoire trouble de trafic criminel dans la Vienne en ruine d'après la seconde guerre mondiale occupée par les alliés. L'ambiance est lourde, le mystère s'éclaircit peu à peu, Orson Welles y est magistral, bien qu'absent la plus grande partie du film, et le final dans les égoûts de Vienne est un morceau d'anthologie, avec des cadrages, angles de vue et éclairages très beaux. La musique d'inspiration grecque et mélancolique d'Anton Karas, jouée à la cithare, ajoute à l'étrangeté et à la puissance du film. Originalité du scénario, ambiguïté et complexité des personnages, étrangeté de la situation, beauté des plans, perfection formelle : un chef-d'œuvre...



VISCONTI Luchino (1906-1976)

Cinéaste italien très réputé, mais se complaisant à filmer la décadence, il a cependant réalisé un film esthétiquement magnifique, "Mort à Venise" (1971, couleur), d'après la nouvelle de Thomas Mann. Si, au bout du compte, il s'agit de l'histoire d'un vieil homme, chef d'orchestre, qui tombe amoureux d'un jeune inconnu, lors d'une villégiature à Venise où il essaie de se rétablir du surmenage, ça n'est pas vraiment cela que montre le film : ce qui en fait la beauté, c'est d'abord Venise, bien sûr, mais aussi la description détaillée, précieuse, de la vie mondaine de la Belle époque, avec les décors d'un grand hôtel, les costumes, les mœurs onctueuses et feutrées d'une classe bien élevée, et puis la déchéance d'un homme qui va vers la mort dans une ville atteinte du choléra. L'atmosphère est unique, rare, exquise, et l'acteur principal, Dirk Bogarde, est parfait. Mais la vedette est plus encore la musique de Mahler, que Visconti utilise à merveille, et qui donne au film toute sa puissance tragique et romantique ("adagietto" de la 5ème symphonie et 4ème mouvement de la 3ème : voir rubrique "musique").



WILDER Billy (1906-2002)

Cinéaste d'origine autrichienne, exilé aux États-Unis à partir de l'accession d'Hitler au pouvoir, il est un des grands spécialistes des comédies hollywoodiennes. Beaucoup de ses films sont devenus des classiques. Il a notamment fait briller Marylin Monrœ dans des rôles craquants, comme :
- "Certains l'aiment chaud" (1959, noir et blanc, avec Jack Lemmon et Tony Curtis) : raconte l'histoire de deux musiciens de cabaret qui, pour fuir des gangsters qui les poursuivent parce qu'ils ont été témoins d'une fusillade entre bandes rivales, se retrouvent travestis en femmes dans un orchestre de musiciennes... Les deux hommes tombent amoureux de Sugar (Marylin Monrœ), l'une des musiciennes, que chacun tente de séduire, ce qui complique sérieusement les choses... Un grand classique de la comédie dont la dernière réplique est devenue mythique.
- "7 ans de réflexion" (1955, couleur) : que fait un homme mûr qui, après 7 ans de mariage, tandis que sa femme est partie en vacances avec les enfants, se retrouve seul avec une voisine très sensuelle comme Marylin ? C'est dans ce film qu'est la célèbre scène de la robe blanche de Marylin soulevée par l'air d'une bouche d'aération dans le trottoir...

Comédies sans Marylin :
- "Embrasse-moi idiot" (1964, noir et blanc) : avec Kim Novak et Dean Martin, c'est une histoire un peu compliquée de quiproquos, de chassé-croisé et de séduction entre hommes et femmes, comme souvent... Deux compositeurs de chansons d'une petite ville profitent du passage d'un chanteur à succès pour essayer de lui fourguer leurs compositions. Mais ce dernier étant un séducteur, pour qu'il ne s'intéresse pas à la femme de l'un d'eux, qui en est très jaloux, une prostituée est appelée à se faire passer pour elle... Pas très clair... En tout cas, c'est drôle et pas très moral...
- "Avanti !" (1972, couleur) : avec Jack Lemmon et l'adorable Juliet Mills... Un chef d'entreprise américain, venu en Italie faire rapatrier le corps de son père mort dans un accident de voiture, découvre que celui-ci avait une maîtresse, morte elle aussi dans l'accident, et tombe amoureux de la fille de celle-ci venue sur les lieux... C'est drôle et tendre.
 
Parmi ses classiques, on compte aussi un film au ton étrange, qui n'est pas une comédie : "Boulevard du crépuscule" (1949, noir et blanc), qui raconte, avec un humour noir, l'histoire des relations entre un scénariste pauvre en quête de contrat et une vieille star d'Hollywood déchue qui rêve de faire son grand retour, le tout dans une grande villa quasiment abandonnée du célèbre "Sunset boulevard", haut lieu d'habitation des vedettes de cinéma.

Il est aussi l'auteur d'une aventure originale de Sherlock Holmes qui ne reprend aucune de celles écrites par Conan Doyle : "La vie privée de Sherlock Holmes" (1970, couleur). Un film délicieux.



CLOUZOT Henri-Georges (1907-1977)

Cinéaste français réputé pour son sens du suspense qui le fait parfois comparer à Hitchcock, sa production est d'un niveau de qualité remarquable. Entre l'humour et le drame, ses films les plus réputés ne souffrent pas de la comparaison avec les concurrents américains de l'époque... Parmi les meilleurs, on peut sélectionner :
- "L'assassin habite au 21" (1942, noir et blanc) : classique du cinéma français, ce film raconte l'enquête policière d'un commissaire (Pierre Fresnay) qui se fait passer pour l'un des locataires d'une pension de famille ("Les Mimosas") où il essaie de démasquer l'auteur d'une série de crimes. Malgré l'humour constant, le suspense ne se relâche pas, le film n'a pas de temps mort, grâce à une mise en scène efficace, et les dialogues sont délicieux.
- "Quai des orfèvres" (1947, noir et blanc) : autre film policier à suspense, avec les excellents Louis Jouvet en inspecteur revenu de tout mais humain, et Bernard Blier en suspect fragile et maladroitement menteur... C'est une histoire de mœurs, où le vieux client vicieux d'une photographe de photos de charme est assassiné, ce qui met l'inspecteur Antoine sur la piste d'une danseuse (Suzy Delair) et de son mari jaloux. Après une suite de quiproquos et un suspense efficace, le dénouement surprend, et le film a notamment l'originalité d'évoquer l'homosexualité avec pudeur et sans jugement moral...
- "Le salaire de la peur" (1953, noir et blanc) : film au suspense très fort, qui nous fait suivre le périple de deux équipes de chauffeurs dans leurs camions, 4 hommes dans la misère prêts à risquer leur vie pour gagner de l'argent, essayant d'apporter leur cargaison de nitroglycérine sur un terrain de forage de pétrole pour y faire cesser l'incendie d'un puits, sans exploser en route, quelque part dans un coin aride et perdu du Guatemala... Le thème d'une grande originalité produit une grande tension, et les embûches et incidents successifs sur des routes qui sont à peine des pistes font craindre à tout moment que l'explosif instable volatilise les deux camions et leurs chauffeurs... Yves Montant et Charles Vanel sont ici très bons...
- "Les diaboliques" (1955, noir et blanc) : un thriller au suspense étouffant (pour l'époque), centré sur un Paul Meurisse aussi magistral qu'effrayant, une Simone Signoret machiavélique et une Vera Clouzot naïve, dans une machination perverse qui vaut au film son titre, où une propriétaire d'école privée, victime de la dureté malsaine de son manipulateur de mari, directeur de l'école, se laisse convaincre par une institutrice, maîtresse du dit mari, de tuer celui-ci... Après, le spectateur est aussi manipulé que la malheureuse victime...
On doit aussi à Clouzot un documentaire unique sur Picasso en train de peindre, où l'on voit la spontanéité  créatrice et la facilité du geste de l'artiste, "Le mystère Picasso".



TATI Jacques (1907-1982)

Cinéaste français, il a inventé une sorte d'humour unique, fin, en demi-teintes, ne tombant jamais dans le scabreux, c'est-à-dire aux antipodes de l'humour franchouillard auquel beaucoup de nos humoristes nous ont habitués... Souvent, les films de Tati semblent creux et pas drôles au premier regard, quand on n'est pas averti. Les situations réglées au millimètre, le travail sur le son particulièrement recherché (bruitages), la quasi absence de dialogues, d'ailleurs post-synchronisés, ce qui leur donne volontairement quelque chose d'artificiel et décalé, font des films de Tati un cinéma à part, critiquant toujours la société moderne, technologique, dont l'absurdité et l'inhumanité ressortent par le contraste que le personnage principal fait apparaître, toujours joué par Tati lui-même, en grand hurluberlu perdu au milieu des gadgets techniques, auxquels il ne comprend rien. Si ses premiers films le montrent sous des allures diverses, à partir de "Mon oncle", il est reconnaissable à son imperméable, son pantalon trop court, son chapeau, sa pipe et son parapluie...
- "Jour de fête" (1949, noir et blanc) : nous montre un village où les forains s'installent pour la fête annuelle, avec comme personnage principal un facteur un peu couillon qui, selon l'idée qu'un documentaire lui donne de la poste américaine ultra-moderne, se met en tête de faire mieux, armé de son seul vélo...
- "Les vacances de Monsieur Hulot" (1953, noir et blanc) : le film le plus connu de Tati nous montre une station balnéaire et sa petite vie estivale, autour d'une pension de famille et du personnage de Monsieur Hulot, tel qu'il est décrit ci-dessus. Scènes de plage, de tennis, de bal costumé, de panne de voiture et même d'enterrement, toujours prétextes aux sketches visuels de Tati...
- "Mon oncle" (1958, couleur) : les années 60, un couple de nouveaux riches, dans une villa moderne truffée d'astuces technologiques, un enfant qui s'ennuie au milieu de tout ça, sauf quand son oncle, inadapté à ce monde, débarque comme un éléphant dans un magasin de porcelaine, et lui apporte un peu de poésie et de distraction, avant que le père tente de l'éloigner en lui donnant du travail dans son usine, elle aussi moderne...
- "Playtime" (1967, couleur) : Monsieur Hulot découvre un Paris futuriste et glacé à travers plusieurs séquences qui le mènent dans un immeuble de bureaux où tout est géométrique, un centre d'exposition des dernières inventions techniques, un appartement moderne, un club de nuit inauguré un peu trop tôt... Film étrange, froid (en raison des décors), sans doute le moins immédiatement plaisant de Tati, mais sans doute aussi le plus abouti et le plus exigeant... D'ailleurs, les difficultés de la production et le coût énorme des décors (des immeubles spécialement construits) ont complètement ruiné le cinéaste.
- "Trafic" (1971, couleur) : Monsieur Hulot, qui a conçu une Renault 4 L aménagée en voiture de camping bourrée de gadgets, part livrer le prototype à un salon automobile d'Amsterdam... Mais tout au long de la route, les obstacles et contretemps s'accumulent, donnant à Tati l'occasion d'observer les comportements routiers de ses contemporains...



LOSEY Joseph (1909-1984)

Cinéaste américain émigré en Angleterre sous le macartisme, il est, dans les deux chefs-d'œuvre principaux évoqués ici, l'observateur cynique et critique des tensions perverses entre des êtres en huis-clos. 
- The servant (1963, noir et blanc) : un jeune aristocrate célibataire emploie un serviteur modèle qui, peu à peu, renverse les rôles et l'avilit. Malsain à souhait, dans une ambiance typique des années 60, le film bénéficie du jeu de Dirk Bogarde, acteur typiquement britannique, maître de l'ambiguïté spécialement utilisé dans ce type de rôles.
- Accident (1967, couleur) : toujours avec Dirk Bogarde, il s'agit cette fois des relations entre un prof d'université à Oxford, un de ses étudiants et la fiancée de ce dernier, une jeune princesse autrichienne objet de tous les désirs. L'histoire se raconte en flashback à partir d'un accident de voiture où meurt le jeune homme, et met en scène avec une certaine cruauté la violence des passions... 



MANKIEWICZ Joseph (1909-1993)

Cinéaste hollywoodien parmi les plus réputés, notamment pour son "Cléopâtre" (le péplum le plus cher de l'histoire du cinéma !) avec la sublime Liz Taylor, il a fait relativement peu de films (comparé à d'autres pour le même temps de carrière), mais beaucoup d'entre eux sont de grands films :
- "L'aventure de Madame Muir" (1947, noir et blanc) : la très jolie histoire d'une jeune veuve qui, s'installant avec sa fille et sa gouvernante dans une maison hantée par le fantôme d'un marin, rencontre ce dernier et vit avec lui un bel amour, mais un amour impossible... Un film délicieux, émouvant, tendre et nostalgique...
- "Eve" (1950, noir et blanc) : raconte l'histoire d'une femme qui, commençant par servir une star du théâtre en tant que secrétaire particulière, réussit peu à peu, à force de manipulations sans scrupule, à prendre irrésistiblement sa place et faire une carrière de grande actrice, avec la complicité d'un célèbre critique de théâtre (le génial George Sanders)... Un film habile, implacable sur le monde du théâtre, cruel, cynique, servi par d'excellents acteurs.
- "La comtesse aux pieds nus" (1954, couleur) : un beau mélodrame dont l'intérêt réside moins dans le dénouement que dans le récit par flash-back, et surtout par la belle relation entre Harry Dawes (Humphrey Bogart), réalisateur de cinéma, et Maria Vargas (Ava Gardner), en actrice atypique, sauvage, pure, qu'il découvre en Espagne et dont il va faire en quelques mois une star hollywoodienne, dans une carrière fulgurante et tragique. Le film débute par les funérailles de la star, sous la pluie, où Dawes se souvient... Ava Gardner incarne ici un beau personnage original et l'un de ses meilleurs rôles.
- "Soudain l'été dernier" (1959, noir et blanc) : à la suite de la mort violente de son cousin, une jeune femme (Liz Taylor) connaît de forts troubles psychologiques quand on évoque l'événement dont les circonstances ne sont pas élucidées. La mère du jeune homme (Katharine Hepburn) veut la faire opérer (lobotomie), mais le neurologue chargé de faire cette opération (Montgomery Clift) préfère utiliser une méthode moins violente, faisant peu à peu apparaître l'horrible vérité... Un suspense fort, un scénario original, une atmosphère lourde due à la profondeur psychologique, et le dénouement inattendu en font un film marquant, notamment par le jeu des deux actrices principales...
- "Le limier" (1972, couleur) : on est très loin des superproductions puisque ce film est un huis clos entre deux acteurs, en tout et pour tout ! Mais quels acteurs : Laurence Olivier et Michael Caine... Un riche auteur de romans policiers anglais invite un coiffeur londonien d'origine plus modeste dans sa maison somptueuse, parce qu'il le sait amant de sa femme. Maniaque de la manipulation, et méprisant son invité, il lui propose de simuler un cambriolage pour toucher l'argent de l'assurance. Celui-ci accepte, et un dialogue fin, subtil, rusé s'engage entre les deux hommes, l'un chassant, l'autre essayant d'éviter les pièges et de retourner la situation en sa faveur. Tiré d'une pièce de théâtre, le film, qui est le dernier de Mankiewicz, met en scène un combat virtuose, un duel cruel et oppressant. Un bijou d'intelligence.



KUROSAWA Akira (1910-1998)

Cinéaste japonais par excellence aux yeux des occidentaux, il est connu pour avoir filmé le Japon traditionnel, celui des samouraï, des kimonos et des batailles de soldats habillés en scarabées... Et en effet, parmi ses films les plus réputés, on compte, entre autres, des films de guerre comme "Les 7 samouraïs"(1954, noir et blanc), "Rashômon"(1950 noir et blanc), "Le château de l'araignée" (1957, noir et blanc, d'après Macbeth de Shakespeare), "Kagemusha" (1980, couleur), "Ran" (1985, couleur).
Certains de ses films sont inspirés de grands écrivains russes comme "L'idiot" (1951, noir et blanc, d'après Dostoïevski), "Les bas-fonds" (1957, noir et blanc, d'après Gorki).
Mais, et je ne suis pas le seul à le penser, son chef-d'œuvre est sans doute un film méconnu : "Dodes'kaden". Loin des batailles du Japon médiéval, ce film de 1970 raconte la vie d'un bidonville avec ses marginaux, ses paumés, dépeints avec beaucoup de tendresse, d'humanité, et d'onirisme, car l'extraordinaire travail sur les couleurs (c'est le premier film en couleur de Kurosawa, qui voulut être peintre) donne aux décors et aux scènes une dimension irréelle, très contrastée. Film inclassable, totalement original, une merveille de sensibilité et de poésie.



BROOKS Richard (1912-1992)

Pas classé habituellement parmi les grands cinéastes de l'histoire, il a pourtant fait quelques bons films, comme "Lord Jim" (1965, couleur), "Elmer Gantry" (1960, couleur), parmi ceux que je connais, et il y en a peut-être d'autres, mais je le cite pour un film magistral, qui nous vaut une performance hors-normes d'Elisabeth Taylor :
- "Une chatte sur un toit brûlant" (1958, couleur) : difficilement racontable en peu de mots, il s'agit d'un psychodrame en huis-clos, à la fois dans un couple dont le mari devenu alcoolique se détourne de sa femme qui l'aime et ne sait comment le reconquérir (Paul Newman et Liz Taylor), et dans la famille du mari dont le père riche est atteint d'une maladie grave qui catalyse et exacerbe les tensions, à l'occasion de son anniversaire. En disant cela, je ne dis à peu près rien, mais sachez que le jeu de Liz Taylor est magnifique, et qu'on voit là ce que peut être une des plus grandes actrices de l'histoire du cinéma...



ANTONIONI Michelangelo (1912-2007)

Cinéaste italien des années 50-70 parmi les plus réputés, il a beaucoup filmé l'incommunicabilité entre les êtres, isolés dans leur solitude, leur opacité, et le vide existentiel d'un monde d'objets et de consommation, où ils sont amenés à faire des gestes incompréhensibles, cherchant un sens à leur existence, et parfois ne cherchant même plus.
- "Blow up" (1966, couleur) : à mon avis son plus beau film, même s'il est décrié par les "Antonioniens", à l'ambiance très "sixties" (décors, vêtements, musique), où un photographe plutôt antipathique, en agrandissant des photos d'un couple enlacé prises dans un parc, découvre les indices d'un meurtre... En même temps que les choses se précisent, plus il agrandit les photos, plus le grain de la pellicule devient gros et moins ce qui est photographié est visible... Le film est, comme cette métaphore, une mise en question profonde de notre perception de la réalité, comme l'atteste la dernière scène. Peu de dialogues, d'ailleurs presque insignifiants, et surtout le silence et le vent dans les feuillages d'un parc anglais comme personnage principal...
- "Profession reporter" (The Passenger, 1975, couleur) : un reporter, David Locke (Jack Nicholson), en mission en Afrique, trouve son voisin d'hôtel, un nommé Robertson, mort d'une crise cardiaque, dans ce coin perdu en plein désert. De même corpulence, ne sachant rien de la vie du mort, et lui-même désabusé et pris de l'envie de changer de vie pour fuir la sienne, il prend son identité, après avoir interverti leurs affaires et papiers... Il décide d'aller aux rendez-vous fixés dans l'agenda de Robertson, et découvre les activités dangereuses de celui-ci... Dans ce road movie complètement désenchanté, le personnage principal va vers un destin qui n'est pas le sien, accompagné dans son errance par une jeune femme rencontrée à Barcelone (Maria Schneider)... La dernière scène est célèbre pour son plan-séquence de plus de 6 minutes où se joue le dénouement du film... Un film sans fioriture, sans séduction esthétique, mais bien à l'image de la quête d'Antonioni. A noter une scène pénible, document d'archive montrant une exécution réelle, qui fut censurée dans plusieurs pays.
Voir aussi "Zabriskie Point" dans la rubrique sur les films des années 70.



WISE Robert (1914-2005)

Cinéaste américain célèbre (?) pour West side story (que je n'arrive toujours pas à regarder, à cause de la musique
de Bernstein, affreuse à mes oreilles), sa filmographie est inégale et variée. J'en parle ici au moins pour un chef-d'œuvre, "La canonnière du Yang-Tse" (The sand pebbles, 1966, couleur), film de guerre mais plutôt contre la guerre, très humain, fort et marquant, qui raconte l'histoire d'un marin, chef mécano héroïque et intègre (Steve McQueen), affecté sur une canonnière qui patrouille sur le Yang-Tse Kiang, et se retrouve pris, avec l'équipage, dans la première guerre civile chinoise, en 1926. Pendant trois heures qu'on ne sent pas passer s'enchaînent des péripéties multiples, variées, montrant de fortes expériences humaines, mais aussi le début de la décolonisation, l'incompatibilité entre les civilisations occidentale et chinoise, inscrivant dans ce cadre complexe plusieurs drames, et l'atmosphère globale est désenchantée et tragique. Visuellement très réussi, c'est un beau film.
Je citerai aussi un film d'un tout autre genre, "Deux sur la balançoire" (1962, noir et blanc), avec Robert Mitchum et Shirley MacLaine, qui raconte l'histoire touchante d'un couple improbable, la rencontre d'un avocat en instance de divorce très perturbé par ce qui lui arrive, exilé à New York où il ne supporte plus sa solitude, et d'une jeune femme bohème, danseuse fauchée et paumée, généreuse et vulnérable... L'ambiguïté de leur relation et des sentiments, la justesse, la confusion et la fragilité des caractères font de cette pièce adaptée au cinéma un très joli film, émouvant et amer.
On peut encore évoquer "Je veux vivre" (1958, noir et blanc), pas vraiemnt un chef-d'œuvre, mais dont la deuxième partie est saisissante... Il s'agit de l'histoire, tirée d'un fait réel arrivé en 1955, d'une femme de "mauvaise vie" qui, par un enchaînement de circonstances et de mauvais choix, se retrouve accusée de meurtre puis condamnée à mort, alors qu'elle est innocente. Si toute la partie racontant les faits l'amenant à sa perte n'a rien de remarquable, en revanche, lorsque l'action se trouve confinée dans le milieu carcéral, puis près de la chambre à gaz, l'atmosphère devient étouffante, et le film prend une force exceptionnelle, Susan Hayward trouvant sans doute là son plus beau rôle, en femme se battant désespérément pour relancer son procès par de multiples recours, dans ce qui devient peu à peu une course contre la montre... Un film marquant, à la mise en scène serrée et très efficace.



WELLES Orson (1915-1985)

Cinéaste et acteur américain parmi les plus connus, il a toute sa vie eu des difficultés pour faire ses films, dont l'originalité ne plaisait pas. Il est l'auteur de quelques films qui ont fait l'histoire du cinéma, comme :
- "Citizen kane", son premier film (1940, noir et blanc), est le classique des classiques, en raison de son inventivité technique et des trouvailles dans la mise en scène (jeu constant sur la profondeur de champ, sur les plongées et contre-plongées etc), le montage, l'utilisation des décors qui ont bouleversé le cinéma d'alors. C'est l'histoire d'un magnat de la presse qui nous est racontée dans des flashback à partir de sa mort, première scène du film où le dernier mot qu'il prononce est "rosebud" (bouton de rose). Un journaliste mène alors l'enquête pour savoir à quoi renvoie ce mot, nous découvrant peu à peu la personnalité et les événements de la vie du milliardaire, à travers les témoignages de ses proches, la solution de l'énigme n'apparaissant finalement qu'au spectateur... Pour le cinéphile d'aujourd'hui, si on fait abstraction du rôle novateur des techniques utilisées, il reste un film qui a beaucoup de charme, pas le plus marquant, et le savoir-faire fonctionne toujours.
- "La soif du mal" (1958, noir et blanc), célèbre pour le long plan séquence d'ouverture, est un film noir, où se mêlent intrigue policière, affaire politique, corruption et gangs... Suite à un attentat, à la frontière entre les États-Unis et le Mexique, un policier intègre et sa femme, qui essaient de trouver la vérité, se trouvent piégés par un flic corrompu à la solde des criminels. Le flic est joué par un Orson Welles rendu obèse et répugnant de vice, qui fait planer une atmosphère malsaine. Un régal de noirceur qui joue sur la frontière entre le bien et le mal... On retrouve dans ce film l'émouvante Janet Leigh de "Psychose"...
- "Le procès" (1962, noir et blanc) est une adaptation du roman de Kafka. Elle n'est pas fidèle à l'original, car Welles en fait un film très personnel, particulièrement oppressant, esthétiquement très fouillé, jouant à merveille sur le noir et blanc. Pas totalement réussi, sans doute trop froid et pas complètement maîtrisé, ce film difficile raconte, d'une façon pas réaliste, et sur un mode cauchemardesque, l'histoire d'un homme arrêté sans savoir pourquoi, et qui essaie de se défendre et de comprendre ce qui lui arrive, en vain... Film esthétisant, à ne pas comparer au livre, bien sûr... A noter que, tourné en partie en France, on y croise quelques grands acteurs français comme Jeanne Moreau, Suzanne Flon, Michael Lonsdale et Romy Schneider... Joseph K. est joué par le fragile et trouble Anthony Perkins ("Psychose").



BERGMAN Ingmar (1918-2007)

Sans doute le cinéaste suédois le plus connu, de nom, mais loin d'être le plus vu, car c'est un auteur exigeant. D'abord et avant tout metteur en scène de théâtre (nul n'est parfait), il a produit un grand nombre de films (une bonne cinquantaine), le plus souvent intimistes, traquant les sentiments, les troubles des rapports entre les êtres, les tensions et les désirs, et aussi les interrogations métaphysiques. La plupart de ses films sont dans un noir et blanc magnifique, formellement somptueux, et cadrent les visages en gros plan. Ça parle beaucoup. Ça ne fait même que ça, et les personnages se racontent plus qu'ils n'agissent, dans de longs monologues. Même si certains de ses films sont tendus jusqu'au paroxysme, et de ce fait dérangeants ("Cris et Chuchotements" ou "Persona" par exemple), ils ne sont pas tous dramatiques (au sens de genre dramatique), et Bergman a fait des comédies tournant en ridicule les sentiments. Bref, c'est fin, subtil, beau, inégal aussi (vu le nombre), mais toujours intéressant. Les meilleurs, pour ceux que j'ai vus : 
- "Les fraises sauvages" (1957, noir et blanc), où l'on suit les rêveries et souvenirs d'un vieil homme à la fin de sa vie.
- "Le septième sceau" (1957, noir et blanc), situé au Moyen Âge, nous montre sur un ton original et drolatique les aventures métaphysiques de quelques personnages qui rencontrent la mort pendant une épidémie de peste.
- "Le silence" (1963, noir et blanc), huis-clos étouffant, dans une chambre d'hôtel, entre deux femmes et l'enfant de l'une d'elles.
- "Persona" (1966, noir et blanc), seulement si vous êtes déjà un(e) cinéphile averti(e), car c'est un film difficile, qui peut être dérangeant, mais très puissant, et visuellement d'une grande pureté esthétique. Une expérience cinématographique unique, exigeante et forte. Il montre la confrontation en huis-clos de deux femmes, l'une comédienne devenue mutique depuis plusieurs mois, et l'autre son infirmière jeune et bavarde qui supporte de moins en moins bien le silence de la première. Leurs rapports ambigus entraînent des situations paroxystiques, des crises d'identité, la personnalité de l'infirmière se faisant en quelque sorte vampiriser par celle de la patiente. Cela dit, le film reste à peu près incompréhensible, mais les images sont magnifiques, et les actrices sont excellentes...
- "La honte" (1968, noir et blanc), ou comment les relations et les comportements d'un couple vivant sur une île changent sous l'effet de la guerre, leur sens moral disparaissant peu à peu.
Mais vous pouvez voir n'importe quel film de Bergman : ça n'est jamais mauvais.



FELLINI Federico (1920-1993)

Sans doute le cinéaste italien le plus connu, son univers se caractérise par un imaginaire original, onirique (ça dépend de la période de production considérée), avec presque toujours des effets basés sur l'étonnement, voire l'émerveillement du spectateur, notamment par des machineries de théâtre, et des décors qui ne cachent par leur caractère artificiel, et souvent magnifiquement colorés et éclairés (ceci vaut pour ses films en couleur). C'est ce que l'on peut voir à partir de 1963 dans "Juliette des esprits" (1965, couleur), "Satyricon" (1969, couleur), "Casanova" (1976, couleur), le plus poussé dans ce style, avec Donald Sutherland, suite de séquences étonnantes et spectaculaires, "Et vogue le navire" (1983, couleur)... Il règne dans ces films quelque chose de très original, d'excessif, de caricatural, voire vulgaire et obscène (Fellini est connu pour ses obsessions à l'égard des femmes rebondies), qui peut ne pas plaire, et il est possible que, par le parti pris très stylisé, ces films aient vieilli... Mais ils conservent un charme unique, malgré une certaine lourdeur.
- "Prova d'orchestra" ("répétition d'orchestre", 1978, couleur) est un petit film (72 minutes) à part : il s'agit, comme son titre l'indique, d'une répétition d'un orchestre classique. Seulement elle tourne au cauchemar parce que les responsables syndicaux, pour faire respecter les horaires définis par les droits du travail, déclenchent une grève, plongeant les musiciens dans le désordre comportemental le plus complet, comme dans un cauchemar, jusqu'au dénouement empreint d'onirisme. Un petit bijou...
Avant, Fellini a fait beaucoup de films en noir et blanc, dont le plus connu est "la Strada" (1954, noir et blanc), grand classique, et deux de ses meilleurs films : "La dolce vita" et "Huit et demi", tous deux ayant comme acteur principal Marcello Mastroianni, double du cinéaste et grande star du cinéma italien.
- "La dolce vita" (1960, noir et blanc) est une suite de scènes apparemment non liées de la vie d'un homme, journaliste à scandale, qui erre entre une bourgeoisie désœuvrée, la vie orgiaque de fêtards noctambules, les frasques d'une star de cinéma, la rigueur intellectuelle d'un ami écrivain, un faux miracle typiquement italien, et la pureté d'une jeune serveuse du bord de mer dont l'innocence fait ressortir la déchéance de la vie du héros... Pas facile d'accès, déroutant en raison d'une narration décousue et de sa longueur (plus de 2H40), c'est un grand film qui laisse amer et désabusé.
- "Huit et demi" (1963, noir et blanc) est encore plus perturbant, car l'onirisme manifeste construit un film patchwork où l'on suit l'imaginaire du personnage principal, cinéaste dépressif en quête d'inspiration. Sans doute le plus fantasmatique et le plus obscur de Fellini, il est assez lourd.
- Enfin, ce que je considère comme sans doute son chef-d'œuvre et son film qui a le mieux vieilli : "Amarcord" (1973, couleur). Centré sur le regard d'un adolescent turbulent (comme ses copains), ce film fait la chronique d'un village italien pendant les années de la montée du fascisme mussolinien. Fresque riche en tableaux divers, "Amarcord" montre toute une galerie de personnages cocasses, de scènes drôles et moins drôles, souvent grossières, toujours avec le ton excessif propre à l'Italie, avec un point de vue affectueux, nostalgique, amusé et truculent.



PENN Arthur (1922-2010)

Cinéaste américain, il est le réalisateur d'un grand classique de l'anti-western, Little Big Man (1970, couleur), avec Dustin Hoffman qui joue le rôle d'un homme blanc naïf vivant parmi les Indiens (enfant, il a été enlevé puis élevé par des Cheyennes), dont le regard et les aventures épiques montrent l'ignominie du sort réservé à ceux-ci. Un film complet, riche, mêlant émotion, révolte, et beaucoup d'humour, où l'action ne laisse pas une seconde de répit, proposant une lecture décalée de l'histoire de l'Amérique. Un film unique car inclassable et un chef-d'œuvre.


 
RESNAIS Alain (1922-pas mort)

Cinéaste français à qui on doit un documentaire exemplaire sur les camps nazis "Nuit et brouillard" (1955, couleur), il a marqué l'histoire du cinéma par des partis pris esthétiques originaux et novateurs, au début de sa carrière. C'est ainsi que ses chefs-d'œuvre sont des films plus ou moins difficiles d'accès :
- "Hiroshima mon amour" (1959, noir et blanc) co-écrit avec Marguerite Duras, confronte deux amants d'un jour qui se rencontrent à Hiroshima : l'homme, japonais, amène la femme, française (Emmanuelle Riva, grande actrice méconnue), à raconter son douloureux passé, lorsque, sous l'occupation, elle aimait un soldat allemand, à Nevers. Les dialogues, souvent en voix off, ont le rythme de l'écriture de Duras, faisant du film un poème à l'amour passionnel et à la mort. Un film fort et magnifique sur la mémoire et l'oubli... Un classique au style original, dont le début, qui montre des images pénibles de victimes de la bombe, ne doit pas vous rebuter.
- "L'année dernière à Marienbad" (1961, noir et blanc) co-écrit avec Alain Robbe-Grillet, c'est un film-labyrinthe, hyper stylisé (et c'est sans doute ce qui a le plus vieilli), où l'action se trame au croisement de plusieurs pistes, dans un récit non linéaire et basé sur le trompe-l'œil, ce qui rend l'histoire incertaine, et ouverte à l'interprétation. Il s'agit d'une possible histoire d'amour entre un homme et une femme du monde, dans un château, le premier essayant d'éveiller la mémoire de la seconde. A noter que Delphine Seyrig, dont la voix est une légende pour tous les cinéphiles, incarne le rôle principal. Film totalement différent du précédent, on peut lui reprocher son maniérisme, une forme de snobisme intellectuel, et une certaine vacuité, malgré l'intérêt et l'originalité de la démarche.
- "Muriel, ou le temps d'un retour", réduit à "Muriel" (1963, couleur), donne aussi le rôle principal à Delphine Seyrig, mais ça n'est pas elle qui joue Muriel, dont l'identité n'apparaît qu'à la fin du film... Une femme d'âge mûr reçoit son ancien amant accompagné d'une jeune femme présentée comme sa nièce... Rapidement, les relations révèlent les déceptions passées, l'échec des retrouvailles, histoire à laquelle se greffent les souvenirs et le mal-être du beau-fils qui revient de la guerre d'Algérie, et donne au film une autre profondeur... Formellement encore totalement différent des films précédents (pas de zoom, musique sérielle comme musique de film), c'est peut-être le plus beau de Resnais.
- "Providence" (1977, couleur) est encore un autre style de film. Un vieil homme qui a peur de la mort mêle rêve et réalité alors qu'il est ivre, et imagine une histoire décousue impliquant ses proches, à partir de ses souvenirs, de ses fantasmes et de ses peurs. Là encore, la structure kaléïdoscopique du film n'est pas classique, perd le spectateur, l'entraîne sur de fausses pistes, joue avec le rêve et l'absurde (un footballeur en tenue qui traverse une chambre en courant), les perspectives des lieux qui changent etc... Un film exigeant et difficile.
Pour la carrière de Resnais à partir des années 80, je ne la connais pas.


DONEN Stanley (1924-pas mort)

Cinéaste américain qui fut le metteur en scène, avec Gene Kelly, de "Chantons sous la pluie" (1952, couleur), le chef-d'œuvre de la comédie musicale hollywoodienne, avec le déjà nommé Gene Kelly, Debbie Reynolds et Donald O'Connor. Drôle, sans longueur, virevoltant, avec les couleurs magnifiques du Technicolor et des chorégraphies réglées au millimètre, c'est un divertissement parfait et un grand classique. Pour ce qui est de l'intrigue, elle est un peu difficile à résumer... C'est une histoire de cinéma et d'amour (bien sûr), où un couple de vedettes du cinéma muet se trouve forcé de passer au parlant, et même au chantant. Alors que la femme, ayant une voix de crécelle et un mauvais caractère, doit être doublée par une vraie chanteuse, qu'elle exploite par un médiocre chantage, cette dernière sort de l'ombre et voit son talent reconnu...
Du même réalisateur, on peut aussi voir avec beaucoup de plaisir :
- "Drôle de frimousse" ("Funny face", 1957, couleur) qui unit Fred Astaire et la délicieuse Audrey Hepburn. Un photographe de mode rencontre une jeune libraire intellectuelle et décide d'en faire le mannequin dont a besoin un grand couturier pour montrer ses collections... Film musical et histoire d'amour, il vaut surtout par ses deux acteurs principaux.
- "Charade" (1963, couleur) : un délicieux thriller à la Hitchcock, plein d'humour, où l'épouse insouciante (Audrey Hepburn) d'un homme riche retrouvé assassiné, se voit menacée à son tour par des hommes sans scrupule, si elle ne leur fournit pas les 250 000 dollars que son (ex-)mari, et leur ancien complice, était censé avoir volés, somme dont elle ne sait rien... Un homme (Cary Grant), dont l'identité et le rôle (ami ou ennemi) sont flous, lui apporte son aide... Un suspense et un jeu d'acteurs impeccable...



FERRERI Marco (1928-1997)

Cinéaste italien connu pour un certain goût de la provocation, il porte aussi un regard tendre (ou poétique ?) mais pessimiste et désabusé sur les hommes et la société. Son grand film, et son grand scandale est "La grande bouffe" (1973, couleur). Les scènes quasiment pornographiques (on dira pour le moins "crues") qui le parsèment et l'obscénité des personnages principaux ont beaucoup choqué à l'époque et malheureusement occulté sa véritable valeur. Or c'est un beau film, émouvant : 4 bourgeois en décalage avec le monde, au comble de l'ennui, se réunissent dans la belle propriété de l'un d'eux, en plein Paris, pour s'y suicider à force d'orgie, mêlant excès de nourriture et sexe (des prostituées sont invitées à se joindre au quatuor). Mais seule une institutrice de passage, endossant les rôles d'amante, de mère et de soignante accompagne leurs dernières heures, les aidant à mourir de trop manger. Scénario pour le moins original et noir, il donne lieu en fait à un très beau film (d'ailleurs esthétisant), où ce qui domine, au-delà des quelques scènes de sexe sans érotisme, c'est l'amitié qui lie ces hommes, l'absurdité de leur démarche et du monde, l'atmosphère surannée de la maison, et l'espèce de tendresse avec laquelle sont filmés quatre des plus grands acteurs européens de l'époque : Philippe Noiret, Michel Piccoli, Ugo Tognazzi et Marcello Mastroianni... Un film complètement à part.
Parmi ses autres films à voir, on peut citer "Rêve de singe" (1977, couleur), avec Gérard Depardieu (autre monstre sacré) et Mastroianni, où l'on suit les errements désabusés et le sort déprimant de personnages paumés, autour d'un gigantesque mannequin de King Kong échoué sur une plage de New York.
"Dillinger est mort" (1969, couleur), avec Michel Piccoli, est un film dérangeant par son implacable mécanique et le fait que, pendant plus de la moitié du film, on voit l'acteur démonter, nettoyer et remonter un vieux revolver qu'il a trouvé dans un placard de la cuisine en cherchant des ingrédients pour se mitonner un repas gourmand, pendant que sa femme malade dort... On le voit ainsi passer sa nuit à se distraire, faire l'idiot, jouer avec son revolver peint comme un jouet, glissant peu à peu vers l'absurde... Un film glaçant où il ne se passe presque rien.



KUBRICK Stanley (1928-1999)

Sans doute un peu surestimé par la cinéphilie actuelle qui en fait un des plus grands, il est néanmoins un cinéaste original, au style puissant caractérisé par des plans larges, une utilisation statique de l'espace et une froideur majestueuse qui imposent une impression de grandeur. Dans une filmographie inégale, variée (il est aussi le réalisateur de "Spartacus", grand péplum avec Kirk Douglas et Tony Curtis), et quelques scandales (pour "Orange Mécanique" par exemple), il me semble que ses deux meilleurs films sont les suivants :
- "2001, Odyssée de l'espace" (1968, couleur), film de science-fiction qui fait se perdre en conjectures quant à sa signification. Divisé en trois parties qui ont comme point commun et fil directeur un monolithe noir en forme de parallélépipède rectangle qui semble être une espèce d'intelligence divine se déplaçant dans l'univers, il invite à un voyage dans le temps que l'on suit passivement et fasciné, passant des ancêtres des hommes qui découvrent l'outil au voyage initiatique délirant d'un astronaute perdu dans l'espace. L'un des caractères du cinéma de Kubrick est de prendre le temps, et c'est particulièrement vrai dans ce film de 2H20 où les actions se font presque en temps réel. Pour apprécier ce film, il faut cependant réussir à dépasser le côté ringard des effets, costumes et décors de l'époque (1968), car rien ne vieillit plus vite qu'un film de science-fiction. Mais une fois qu'on a passé l'obstacle du côté très daté du film, on entre dans une espèce d'épopée très belle, ample, qui impose son rythme lent et invite à une forme de contemplation. Jamais une œuvre musicale comme le célèbre "Beau Danube bleu" de Johann Strauss n'aura pris autant de force que dans ce film où elle accompagne le ballet des vaisseaux spatiaux...
- "Barry Lindon" (1975, couleur), est un film à costumes, puisque l'action se déroule au XVIIIème siècle en Angleterre, et retrace l'ascension sociale et la déchéance d'un irlandais arriviste, Barry Lindon, qui, après avoir fui sa région natale où il a tué un homme en duel, et avoir fait la guerre dans l'armée anglaise, puis l'armée prussienne, épouse la jeune veuve d'un riche noble qui va lui apporter la fortune et un fils... Fresque magnifique de 3 heures, ce film nous fait suivre, par des images somptueuses à l'esthétique très soignée, la destinée de cet homme, filmée dans des décors d'époque, avec des lumières naturelles (c'est la première fois que les scènes de nuit sont tournées à la bougie), à peu près à la vitesse de l'action réelle, c'est-à-dire lentement. Comme dans tous ses films, le choix de la musique est très méticuleux et emprunte à plusieurs compositeurs classiques, le plus célèbre emprunt étant l'adagio du trio opus 100 de Schubert, que Kubrick aura ainsi fait découvrir à beaucoup de gens... Un très beau film.



LEONE Sergio (1929-1989)

Cinéaste italien, dont la carrière a commencé par des péplums plutôt épais, inventeur du "western spaghetti", j'en parle ici pour un classique du genre, qui n'est pas "Le bon, la brute et le truand" (1966, couleur), que je trouve personnellement un peu lourd, mais "Il était une fois dans l'ouest" (1969, couleur), film atypique, original, beau, bénéficiant d'une mise en scène très soignée, stylisée, ample, et donnant beaucoup de force aux personnages joués par des stars : Claudia Cardinale, en belle femme libre, Charles Bronson, justicier opaque dont les motivations n'apparaîtront qu'à la fin du film, et Henry Fonda, méchant élégant et sans scrupule vivant dans un train. La musique d'Ennio Morricone a contribué au succès du film...


NICHOLS Mike (1931-pas mort)

C'est là qu'on voit les limites de mon classement, car il ne s'agit pas là d'un grand cinéaste mais seulement d'un grand film, et de son tout premier :
- "Qui a peur de Virginia Woolf ?" (1966, noir et blanc), encore un film inracontable... Un couple d'âge mûr, formé d'un prof d'université (Richard Burton) et de la fille du président de cette université (Liz Taylor), tous deux alcooliques, reçoivent un jeune couple nouvellement débarqué, après une soirée de fête bien arrosée. Commence une longue nuit de crise en huis-clos, où les rapports cruels et les règlements de compte entre les 4 protagonistes atteignent des paroxysmes de violence, de méchanceté, entre mensonges, manipulation et révélations douloureuses, véritable jeu de massacre particulièrement éprouvant. Rarement un film a atteint une telle tension psychologique, et les acteurs sont excellents, particulièrement Elizabeth Taylor, immense actrice à la puissance exceptionnelle... A voir au moins pour sa prestation hors-normes.

Mike Nichols n'a guère fait de bons films ensuite, mais on peut citer son deuxième, qui l'a rendu célèbre, "Le lauréat" (1967, couleur), avec Dustin Hoffman, dont ce film va faire une star, dans le rôle d'un jeune diplomé, et Anne Bancroft, une femme mûre qui pourrait être sa mère et qui va le piéger pour en faire son amant, avant de poursuivre celui-ci de sa haine lorsqu'il va tomber amoureux de sa fille... Sujet scabreux bien mené et assez réjouissant.


TRUFFAUT François (1932-1984)

Un des cinéastes français les plus réputés et préférés des cinéphiles, à cause de la très surévaluée Nouvelle Vague (dont beaucoup de productions, amusantes à l'époque, ont beaucoup et mal vieilli) dont il fut l'un des chefs de file, et aussi de sa cinéphilie qui truffe ses films de références (jeu souvent lourd), il serait aujourd'hui à reconsidérer dans une perspective critique enfin apaisée et objective, pour lui redonner la place qu'il mérite, globalement bien moins haute qu'elle ne l'est actuellement... Il n'empêche qu'il a fait quelques films de qualité, au ton original, sans doute pas des chefs-d'œuvre, mais de bons petits films attachants, typiquement français, et ancrés dans leur époque... On peut ainsi sélectionner :
- "Les 400 coups" (1962, noir et blanc) : sans doute son film le plus attachant, à la fois par l'histoire du gamin livré à lui-même par une mère qui rêve de s'en débarrasser, par la musique de Jean Constantin, l'une des plus nostalgiques qui soient, et par la fraîcheur, le naturalisme de la façon de filmer. C'est du reste le premier et seul film où Jean-Pierre Léaud, acteur fétiche de Truffaut, joue juste... L'errance du petit Antoine Doisnel, ses bêtises et son sort émeuvent encore aujourd'hui.
- "Fahrenheit 451" (1966, couleur) : film de science-fiction unique chez Truffaut, pas totalement réussi (ça a vieilli, et c'est parfois maladroit), c'est néanmoins une belle ode à la littérature et au livre, puisqu'il s'agit d'un monde totalitaire où la connaissance est bannie et les livres sont interdits. En posséder constitue un délit grave, et une brigade spéciale est chargée de traquer et débusquer les dissidents, puis de brûler tous les ouvrages trouvés, le titre du film indiquant la température de combustion du papier... L'un des hommes de cette brigade, Montag, découvre que les livres contiennent des richesses de savoir et de beauté, et se met à voler et garder ceux qu'il est censé brûler, devenant à son tour hors-la-loi...
- "Baisers volés" (1968, couleur) : sans doute le meilleur film de Truffaut, le plus vivant, il nous raconte la suite de l'histoire d'Antoine Doisnel, jeune adulte réformé de l'armée où il s'était engagé volontairement, et qui le rejette pour son incapacité de s'y soumettre, et la suite des petits boulots où il va confirmer ses inaptitudes diverses, tout en menant de front une histoire sentimentale avec une jeune fille qui s'obstine à le vouloir... Au cours de ses péripéties drolatiques, il rencontre la femme du chausseur qui l'emploie, en la personne de Delphine Seyrig, grand moment quand on admire cette actrice dotée de l'une des plus belles voix de toute l'histoire du cinéma... Elle donne notamment la distinction entre la politesse et le tact, et a bien du mal à nous faire croire qu'elle n'est qu'une femme et pas une apparition... Film léger où Léaud n'est pas encore insupportable.
- "L'homme qui aimait les femmes" (1972, couleur) : le titre est clair quant à son sujet, mais il ne s'agit pas d'un Don Juan, d'un mâle dominateur, et le film ne tombe pas dans la gaudriole... L'homme en question, joué par le fragile et doux Charles Denner, est plus un enfant fasciné par la féminité, et attire les femmes par sa gentillesse touchante plus que par sa virilité... Il n'en est pas moins un véritable obsédé qui décide de raconter sa vie et de faire éditer ce récit pour le publier. L'histoire ne raconte rien de plus que quelques épisodes de ses aventures, mais avec tendresse et un humour en demi-teintes qui rendent ce film attachant.

Pour le reste, c'est inégal et souvent lourdaud, car Truffaut, même dans l'humour, prend tout au sérieux, surtout lui-même, avec une certaine prétention, avec la maladresse de celui qui veut bien faire et est plein de bonnes intentions... Son cinéma est trop souvent démonstratif, appliqué, et sa voix off reconnaissable entre toutes, qui sonne toujours sincère et faux à la fois, plombe beaucoup de ses films par un côté littéraire un peu naïf... Il n'y a pas beaucoup de second degré chez lui... Ainsi, souffrent d'une ambition trop élevée et ratée des films assez mauvais, que je mentionne pour clarifier mon propos : La chambre verte, L'argent de poche, L'histoire d'Adèle H, L'enfant sauvage, et à peu près tous ses efforts de cinéma de genre, comme La mariée était en noir, La sirène du Mississipi etc, pâles copies des films américains qu'admire Truffaut.


SCOTT Ridley (1932-pas mort)

A vrai dire, je ne connais pas bien sa filmographie (en dehors du médiocre "Gladiator"...), mais je sais qu'on lui doit deux classiques de la science-fiction :
- "Alien, le huitième passager" (1979, couleur) : suite à l'agression d'un de ses membres par une espèce de poulpe, tandis qu'il explorait un champ d'œufs sur une planète, l'équipage d'un vaisseau spatial se trouve aux prises avec le monstre inconnu qui hante les couloirs et les conduites, ne cesse de muer, de grossir. Menace presque toujours invisible, l'animal indestructible tue les membres d'équipage un à un... Ce qui fait la force de ce film, ça n'est pas le monstre, ce ne sont pas les effets spéciaux, ni le côté un peu "gore", mais, avant tout, le suspense, l'atmosphère oppressante, la pénombre où est tapie la peur. Le spectateur est cloué dans son fauteuil... Une référence en la matière, qui n'a pas vieilli, et évite tous les ridicules de la SF démodée avec de mauvais trucages. Toute la série des suites, pas tournées par Ridley Scott, est à éviter, car basée sur l'horreur plus que le suspense, avec un goût pour le gore beaucoup plus prononcé.
- "Blade runner" (1982, couleur) : deuxième coup de maître de Ridley Scott dans ce genre, et sans se répéter, car le cadre, le style et l'histoire n'ont rien à voir. Cette fois, on est sur terre, dans le China Town de Los Angeles, en 2019, et le "blade runner" est un homme spécialisé dans l'élimination des réplicants, androïdes imitant les hommes à la perfection, et devenus dangereux parce qu'il n'acceptent pas leur condition d'êtres programmés à mourir au bout de 4 ou 5 ans. Il doit en trouver et tuer 5, dont 4 sont échappés d'une colonie où ils n'ont pas hésité à commettre des meurtres. Et c'est cette course-poursuite que raconte le film. Mais ça n'est pas véritablement un film d'action, car on découvre peu à peu l'humanité des réplicants, notamment de leur chef, ainsi que de la "femme" dont tombe amoureux le blade runner, et une espèce d'ambiguïté désabusée s'installe... Et le décor détermine l'atmosphère lourde du film : il fait toujours nuit, la pluie ne cesse de tomber, les néons clignotent, les étalages des boutiques chinoises vendent n'importe quoi, tout baigne dans la pénombre et chacun semble seul... Un film à part qui, lui non plus, n'a pas vieilli.

Cinéaste russe exigeant, son œuvre est difficile d'accès, et à déconseiller aux tempéraments non contemplatifs. 7 films seulement, mais 7 chefs-d'œuvre. Cinéma lent, très lent, qui ne raconte pas grand chose d'autre que le désarroi existentiel d'hommes en quête de Dieu à travers des pratiques superstitieuses. Et pourtant, pas besoin d'être croyant ou de partager les sentiments des personnages pour se retrouver dans ces films, car ce qui est montré ici, c'est surtout un très fort rapport à la nature, à la matière, aux éléments et au temps, magnifiquement mis en scène par un travail de plasticien original faisant de Tarkovski un auteur à part, inclassable, et de ses œuvres des moments rares, sublimes, malgré une qualité technique souvent médiocre (pellicules d'assez mauvaise définition), et certaines lourdeurs de mise en scène et de montage. A mon sens, ce que ces films racontent n'a pas grande importance, et l'essentiel est de s'immerger dans ces univers sensoriels uniques.
Pour découvrir ce cinéma d'exception, "Nostalghia" (1983, couleur) est un condensé du style de Tarkovski qui donne une très bonne image de son travail visuel, et il ne dure que deux heures... C'est celui qui a sans doute aussi la plus belle image. Un poète russe est arrivé dans un village thermal d'Italie, sur les traces d'un autre poète russe exilé du XVIII^ème siècle. Il est accompagné d'une belle femme ressemblant à une madone, et va avoir comme principal interlocuteur un fou avec qui il va passer un pacte... Les thèmes visuels récurrents sont l'eau (pluie, rivière, flaques), la terre (détrempée, boueuse), l'herbe sauvage, les murs purulents, aux revêtements pourrissants, écaillés, les objets abandonnés dans l'eau, traces de vies passées, maisons à l'abandon etc.
Son plus grand film est sans doute "Stalker" (1979, couleur), l'errance de trois hommes en quête d'eux-mêmes et d'un sens à leur vie dans une zone interdite et prétendument miraculeuse, entre herbe, eau et ruines. Le travail sur le son et les visages burinés des trois protagonistes donnent à ce film une densité rare. L'histoire du tournage de ce film, dans les conditions de l'URSS d'alors, est une tragédie à l'origine du cancer dont mourront prématurément le cinéaste et deux des acteurs...
Avant ce style, il a fait un autre chef-d'œuvre visuellement différent : "Andreï Roublev" (1966, noir et blanc), une épopée de trois heures dans la Russie du Moyen-Age, où l'on suit l'évolution spirituelle d'un célèbre peintre d'icônes (ayant réellement existé, mais dont la vie est ici inventée), à travers les étapes mouvementées de sa vie. Ce film-là est plus facilement accessible car il est de facture réaliste. Magnifique mais violent, c'est un très grand film.
Enfin, il faut mentionner son film de "science-fiction" (il ne respecte pas le genre, évidemment, et les amateurs de SF seront très déçus), "Solaris" (1972, couleur), dont l'histoire est inspirée de la même nouvelle que le remake du même nom par Soderbergh (avec Georges Clooney). Mais si le prétexte est le même, et si le film de Soderbergh est un film plutôt réussi, celui de Tarkovski n'a rien à voir, et est à nouveau une réflexion métaphysique, et n'a de science-fiction que le décor, et encore...
Les trois autres films sont aussi à voir, bien sûr : "L'enfance d'Ivan" (1962, noir et blanc), plus classique de facture, "Le miroir" (1974, couleur), le plus autobiographique et le moins accessible sans doute, et "Le sacrifice" (1986, couleur), son dernier film.



FORMAN Milos (1932-pas mort)

Cinéaste américain d'origine tchécoslovaque, il est aujourd'hui connu surtout pour l'énorme succès d'"Amadeus", censé raconter avec truculence l'histoire de Mozart, le génie de la musique... Mais ça a fait passer au second plan deux autres de ses films, bien meilleurs :
- "Vol au-dessus d'un nid de coucous" (1975, couleur) : les coucous, ce sont les fous d'un asile où arrive un homme (Jack Nicholson) qui, pour éviter la prison, se fait passer pour un malade mental. Esprit rebelle, voyant comment l'infirmière en chef traite ses patients, il tente de faire changer les choses en entraînant les malades à se révolter... La peinture du monde psychiatrique est forte, émouvante, drôle et tragique. Et Nicholson crève l'écran. Un film qui amuse, met mal à l'aise, bouleverse et donne envie de se révolter...
- "Ragtime" (1981, couleur) : moins connu que les deux cités, et même un peu tombé dans l'oubli, c'est pourtant un très bon film, qui nous raconte comment, au début du siècle aux États-Unis, un pianiste noir, victime directe de violences racistes, en arrive à monter une bande criminelle pour se venger et faire respecter son humanité... Film magistral, précis, il est l'illustration impeccable, en 2H15, d'un pan de l'histoire des États-Unis, et nous fait sentir la fatalité d'un monde où les valeurs humanistes ne sont pas du côté du droit. Là aussi, un film fort qui indigne et donne envie de se révolter.



POLANSKI Roman (1933-pas mort)

Cinéaste français cosmopolite d'origine polonaise (il perd sa mère à Auschwitz et son père survit à Mauthausen...), il n'a peut-être pas fait de véritables chefs-d'œuvre au même titre que les plus grands de cette liste, mais on lui doit quelques bijoux originaux qui ont un ton particulier et délicieusement pervers. C'est ainsi que ses premiers films sont sans doute toujours ce qu'il a fait de mieux :
- "Le couteau dans l'eau" (1962, noir et blanc) : en huis-clos sur un bateau de plaisance, un homme orgueilleux, sa jolie femme et un étudiant pris en stop... Les rapports se tendent, le désir joue son rôle... Un regard cruel sur les relations des trois protagonistes.
- "Répulsion" (1965, noir et blanc) : une jeune femme reste seule dans l'appartement de sa sœur partie en voyage, et bientôt l'angoisse révèle peu à peu sa schizophrénie et sa phobie des hommes, comme vont l'apprendre les visiteurs... Polanski excelle là encore dans la mise en place d'un monde clos, confiné et étouffant. Catherine Deneuve joue la jeune femme malade...
- "Cul-de-sac" (1966, noir et blanc) : deux gangsters médiocres, tombés en panne d'essence, se voient contraints de s'inviter chez un couple atypique dans le château qui occupe la presqu'île où ils sont bloqués en attendant du secours... Là encore, ironie et cruauté du regard, lieu clos où les rapports entre les protagonistes se tendent jusqu'au drame, dans un environnement hors du monde...
Trois films délicieux de la première période de Polanski...
- "Le bal des vampires" (1967, couleur) : cette fois, il s'agit d'une parodie des films d'horreur, et ici des films de vampires, bien sûr. Tous les poncifs du genre sont tournés en dérision avec un certain goût burlesque (maquillages appuyés, couleurs bien prononcées, décors en carton-pâte). Un vieux professeur fantaisiste s'enfonce dans les régions neigeuses des Carpates avec son jeune valet (joué par Polanski) pour y chasser les vampires, et les deux compères vont vivre une suite de (més)aventures qui vont les mener à répandre le vampirisme dans le monde au lieu de l'éradiquer... Certains trouvent que cet humour a vieilli. Personnellement, je trouve ça toujours aussi drôle...
- "Rosemary's baby" (1968, couleur) : cette fois, pas d'humour, mais un film angoissant, puisque la Rosemary en question se fait manipuler peu à peu par son mari et des voisins âgés pour porter un enfant dont le géniteur n'est peut-être pas celui qu'on croit... On retrouve le goût du milieu clos, de l'atmosphère qui devient de plus en plus étouffante et anxiogène...
Parmi les films de sa carrière plus récente, on retrouve la puissance du huis-clos dans un autre très bon film :
- "La jeune fille et la mort" (1994, couleur) : histoire risquée et originale, il s'agit de la confrontation accidentelle, dans un pays d'Amérique latine, après la dictature, entre une femme, Paulina Escobar (Sigourney Weaver), qui a souffert la torture et en est restée traumatisée, son mari avocat désigné pour présider une commission d'enquête sur les disparitions et crimes de l'époque, et un voisin, le docteur Miranda (Ben Kingsley), arrivé dans leur maison par hasard, dans lequel la femme croit reconnaître son ancien tortionnaire. L'action du film se déroule dans une maison loin de tout, au bord de la mer, en un huis-clos magnifiquement joué, où la femme séquestre Miranda pour lui faire reconnaître ses crimes, tandis que celui-ci clame son innocence... Le film est aussi l'occasion, par des descriptions précises, de dénoncer l'horreur de la torture. Dialogues très forts.



COPPOLA Francis Ford (1939-pas mort)

Cinéaste américain mégalomane, il est l'auteur d'un chef-d'œuvre sur la guerre, et plus encore sur la folie des hommes qui la font : "Apocalypse now" (1978, couleur). C'est un film titanesque qui nous fait descendre pendant plus de 3 heures dans les bas-fonds de l'horreur de la guerre du Vietnam (heureusement moins montrée que suggérée). Un homme est envoyé en mission spéciale dans les lignes avancées de la jungle pour aller y tuer un colonel devenu fou et sanguinaire, n'obéissant plus aux ordres, qui règne en demi-dieu sur une tribu entièrement dévouée. C'est l'occasion de montrer différents aspects de cette guerre absurde, entre les soldats en première ligne qui ne tiennent que par la drogue, une patrouille d'hélicoptères qui massacre un village sur l'air de la Walkyrie de Wagner diffusé par haut-parleurs, et la facilité de tuer, sans compter les destinées misérables de quelques danseuses échouées là pour distraire les soldats... Un voyage en enfer filmé de façon magistrale, même s'il est un peu trop spectaculaire et parfois proche du racolage (il n'a pas la sobriété de "La ligne rouge")... Film puissant, lyrique, qui ne peut laisser indifférent...

Cinéaste américain rare, il n'a fait que 5 films en 30 ans. Si chacun d'eux est soigné et mûri, seul le troisième, "La ligne rouge" (The Thin Red Line, 1998, couleur) est vraiment un chef-d'œuvre : il raconte l'histoire de soldats américains débarquant et se battant contre les Japonais sur l'île de Guadalcanal dans le Pacifique. Mais au lieu d'en faire un énième film de guerre et d'action, Malick en fait une espèce de poème contre la guerre, une méditation sur l'absurdité des actes des hommes apeurés qui ne savent finalement pas ce qu'ils font, au milieu d'une nature indifférente et magnifique. Scènes d'actions réalistes mais pas gratuites alternent avec de longs dialogues ou monologues en voix off, de longs plans sur la nature, accompagnés par une musique intense et très belle. Le cinéaste se permet le luxe d'avoir à l'affiche plein de célébrités, mais il n'y a pas de héros... Un film superbe, de 2H50, peut-être le plus beau film jamais fait sur la guerre.
On peut voir aussi avec plaisir son premier film, "La ballade sauvage" (Badlands, 1973, couleur), racontant, avec une certaine étrangeté qui donne son charme à ce film, la virée criminelle, aux États-Unis, d'un homme instable, au caractère difficile à cerner (Martin Sheen, excellent), qui tue souvent sans motif, accompagné d'une adolescente paumée (Sissi Spacek). Le film vaut surtout par son atmosphère et les deux principaux personnages.

WENDERS Wim (1945-pas mort)

- "L'ami américain" (1977, couleur) raconte l'amitié de deux hommes pas faits pour se rencontrer, l'un, encadreur et restaurateur de tableaux allemand, expert en peinture, atteint d'une maladie grave, et l'autre, trafiquant de tableaux américain qui va mener le premier dans des aventures criminelles, le tout dans une atmosphère désabusée et malgré tout légère... Atypique, inclassable, il ressort de ce film une tendresse discrète, une amitié sans parole entre les deux hommes.
- "Les ailes du désir" (1987, couleur et noir et blanc) est un film formellement magnifique : au début, pendant 20 bonnes minutes, on suit, en noir et blanc, à travers Berlin, les déplacements d'un ange (Bruno Ganz, une star du cinéma allemand) qui entend tout ce que pensent les gens croisés, leurs détresses, leurs espoirs, leur ennui, avec de longs mouvements de caméras fascinants. Ensuite, l'ange tombe amoureux d'une écuyère française dans un cirque, et décide de renoncer à son statut d'ange, et à l'immortalité, pour pouvoir connaître l'amour, la vie, les plaisirs du quotidien. Ça devient alors moins fort, mais ça reste un très bon film, et Peter Falk (Colombo) y fait une très belle prestation dans un second rôle.


- "Easy Rider" de Dennis Hopper (1969, couleur) : le classique du désenchantement, de la fin du rêve américain. Deux motards qui ont gagné beaucoup d'argent en vendant de la drogue partent sur leurs "choppers" pour traverser l'Amérique. Ils rencontrent alors cette Amérique profonde de ploucs racistes, méchants, refusant toute évolution... C'est l'emblème même de ce qu'on appelle un "road movie" amer, et il est difficile de sortir du visionnage sans être (très) énervé... La musique est constituée de plusieurs morceaux pop de l'époque.

- "Macadam Cowboy" de John Schlesinger (1969, couleur) : autre classique du désenchantement américain, il nous raconte l'installation à New York d'un jeune cow-boy (John Voigt), confiant dans son étoile et sa belle gueule d'étalon, monté à New York dans l'espoir d'y réussir auprès des femmes en se prostituant. Il y rencontre un paumé tuberculeux, petit escroc minable et misérable (Dustin Hoffman), qui devient son "coach". Tous les deux rêvent de partir s'installer au soleil de Floride... Le film nous montre l'indifférence de la grande ville, la dureté de la vie, le sordide de la condition des deux marginaux... Les deux thèmes principaux de la musique de John Barry, airs folk lancinants, restent longtemps en mémoire...

- "More" de Barbet Schrœder (1969, couleur) : cette fois, la désillusion est vue du côté européen. Un jeune Allemand part sur la route en stop, et arrive à Paris. Là, tombé amoureux d'une jeune femme qui part pour Ibiza, il reprend la route pour la rejoindre... Sur l'île commence alors une vie inactive de marginaux qui s'adonnent au soleil, à la mer et à la drogue, les drogues, et l'enfer auquel elles mènent, sous l'impulsion malsaine de la jeune femme (Mimsy Farmer, fascinante)... Film troublant, il est accompagné par une musique de Pink Floyd faite spécialement pour lui.

- "Zabriskie Point" de Michelangelo Antonioni (1970, couleur) : voilà un autre film emblématique de ces années et de la révolte (vaine) de la jeunesse dans une société américaine consumériste, où l'ordre est celui de l'argent... Un jeune homme a pris la fuite en volant un avion de tourisme, parce que, muni d'une arme à feu au moment où, dans une manifestation qui tourne mal, un policier se fait tuer, il est accusé du meurtre. Il rencontre une jeune femme qui veut rompre avec une vie monotone. et passe avec elle un moment d'amour, dans le désert de la Vallée de la Mort, à Zabriskie Point, avant que chacun reprenne sa trajectoire... Un road movie, donc, genre typique du cinéma de cette époque, où Antonioni, grand cinéaste du vide, nous montre un monde en perte de sens et une errance sans but d'une jeunesse désenchantée... La musique de Pink Floyd accompagne la dernière scène, qui a rendu le film célèbre, suite d'explosions d'objets de consommation, et qui vaut à elle seule de voir le film, par ailleurs un peu lourd (il y a notamment une étrange scène d'amour onirique dans la poussière du désert, sans doute censée représenter la liberté sexuelle, qui laisse perplexe), mais suffisamment fort pour donner un goût d'amertume et de révolte.

- "Taxi Driver" de Martin Scorcese (1976, couleur) : pas tout à fait de la même période, celui-là raconte la trajectoire d'un chauffeur de taxi new-yorkais revenu ébranlé de la guerre du Vietnam (Robert de Niro), enfermé dans une vie solitaire où il se fait "son cinéma", rêvant de respect et d'actes de bravoure, et entretenant ses armes à feu, au milieu d'une société qui perd ses valeurs morales. Rencontrant une enfant prostituée (Jody Foster), il décide de la sauver des griffes de son souteneur... Film ultra célèbre, surtout pour son univers froidement dépeint et la performance d'acteur de De Niro, il dit lui aussi la fin d'une époque, la violence de la vie, l'envers du décor et la marginalité, grand thème de ces années.

- "Bullitt" de Peter Yates (1968, couleur) : il s'agit d'un film policier, d'un thriller, et non d'un film représentant ces années, mais il en est complètement imprégné, ce pour quoi je le range là... L'histoire : un lieutenant de police réputé (Steve McQueen) se voit confier la mission de protéger un repenti, jusqu'à l'audition de son témoignage, par un politicien puissant et arriviste qui en attend des retombées positives pour sa carrière... Mais le témoin est blessé grièvement par un tueur et meurt à l'hôpital. Pressé par l'agressivité vengeresse du politicien qui le tient pour responsable de cet échec, Bullitt (c'est son nom) utilise tous les moyens pour mener son enquête rapidement (l'action se déroule sur 2 jours) et trouver le meurtrier... Ce qui fait l'originalité du film, c'est le désenchantement du policier, inexpressif, désabusé mais attaché à l'honneur, et le filmage dans des conditions réelles : les scènes dans l'hôpital sont éclairées avec les lumières faibles d'un véritable service d'urgence, les infirmières et chirurgiens le sont dans la vie, la course-poursuite qui a rendu le film célèbre s'est faite en conditions réelles, sans tricherie, avec des bolides de l'époque, et la poursuite finale sur les pistes d'un aéroport en pleine nuit se fait en effet dans un noir quasi total où on ne distingue pas grand chose.... Et alors, qu'est-ce que ça apporte ? Un ton original, une atmosphère sombre qui situent bien ce film dans son époque. Un excellent film.



D'autres à venir, sans doute...


Si, en musique classique et en littérature, il est facile de citer les grands noms reconnus par tous (ou presque), il n'en est pas tout à fait de même pour le cinéma, où l'industrie du divertissement peut se mêler plus intimement au cinéma d'auteur, et dont l'histoire est récente et courte, ce qui fait qu'il est souvent plus difficile de départager les "grands" et les "petits", ces derniers n'étant parfois pas loin des premiers, d'autant que le temps et la postérité leur donneront peut-être un jour le statut de "grands", de classiques... Comme je ne me sens pas capable de statuer à la place de la postérité, j'ai opté pour cette sous-rubrique, destinée à vous conseiller quelques films "coup de cœur" (pour employer une expression de marketing), pour le moment considérés comme des "petits"... Ce sont donc des films plutôt "récents", c'est-à-dire de moins d'une vingtaine d'années, et le tri est forcément très subjectif, car il y a une telle quantité de ces films sympathiques que je ne peux citer que ceux que j'ai vus... Ça limite beaucoup ! N'espérez donc pas y trouver tout ce qui devrait y être, car la tâche dépasse largement mes capacités. Je me contente de signaler ceux auxquels je pense, et quand j'ai le courage de le faire...
Cette fois, j'opte pour un classement par noms de films, mais sans ordre...



- "Bloody Sunday" de Paul Greengrass (2001, couleur) : ce film retrace, à la façon d'un documentaire en direct (caméra à l'épaule), les événements qui ont marqué Derry, en Irlande du nord, le 30 janvier 1972, où l'armée britannique a tiré sur une manifestation pacifique, tuant 13 personnes. Film choc, efficace, qui révolte, et se termine par la chanson de U2 du même titre, dont le sens se charge de toute la force du film...

- "American Beauty" de Sam Mendes (2000, couleur) : un américain moyen quadragénaire, dont la vie de couple est au point mort, fantasme (c'est le mot juste) sur une copine de sa fille adolescente qu'il rêve de posséder charnellement. Il se met alors à faire du sport pour plaire à la demoiselle, et bouleverse peu à peu sa vie, se libérant de plus en plus des conventions sociales et trouvant une sérénité dont le dénouement, annoncé dès le début du film, donne à celui-ci un ton original, rare, ironique, cruel et malgré tout assez tendre, massacrant au passage le mode de vie américain... Un petit joyau, où Kevin Spacey trouve sans doute son meilleur rôle....

- "Des nouvelles du bon dieu" de Didier Le Pêcheur (1996) : un film atypique, un OVNI drôle et absurde, qui raconte la quête de deux individus persuadés qu'ils ne sont que des personnages d'un roman écrit par Dieu, et voulant à tout prix le rencontrer. Leur périple va les amener à croiser et convaincre d'autres hurluberlus qui vont se joindre à eux... C'est très drôle, original, iconoclaste (la rencontre du pape dans un champ est du jamais vu), et il est étonnant que ça ne soit pas connu du tout, car c'est en plus très bien fait.

- "Le cinquième élément" de Luc Besson (1997) : vous l'avez sans doute déjà tous vu, et beaucoup ont trouvé ça médiocre... Pourtant, c'est une parodie vraiment drôle et bien enlevée des films de science-fiction. Un Bruce Willis qui ne se prend pas au sérieux, c'est déjà pas mal, mais en plus, l'univers baroque des décors et costumes, les excès caricaturaux des personnages, notamment du DJ Ruby Rhod et du méchant Zorg, en font un gros gâteau plein de meringue colorée... La bataille à bord du Fhloston Paradise vaut son pesant de cacahuètes... On peut être allergique, mais c'est un très bon divertissement. L'histoire en elle-même importe peu : il s'agit, comme d'habitude, de sauver le monde, et Bruce Willis l'a déjà fait plein de fois dans d'autres films...

- "Le seigneur des anneaux" de Peter Jackson (2001 à 2003) : celui-là, je n'ai sans doute pas besoin de le citer, et je ne vous fais rien découvrir du tout... Pas grave, car il serait injuste de ne pas le mentionner. Une fois retombée la folie médiatique qui accompagne les "blockbusters", il faut juger le film pour ce qu'il est, et celui-là tient ses promesses. C'est un divertissement de qualité, complètement dépaysant, qui tient en haleine pendant toute sa durée, avec un souffle épique que l'on trouve rarement, et des effets spéciaux de grande qualité. L'histoire est assez connue pour que je ne la résume pas. Comparer le film à l'œuvre de Tolkien n'a pas d'intérêt... Pris en lui-même, ce film restera dans l'histoire du cinéma au même titre que les productions hollywoodiennes de la grande époque (années 50-60), comme les péplums réunissant des brochettes de stars... Par contre, au sein des trois volets, il est sans doute juste de faire remarquer que le premier ("La communauté de l'anneau") est beaucoup plus intéressant que les deux autres, pour une raison simple et courante : c'est là qu'on prend le temps de découvrir les personnages, d'exposer les situations, de montrer l'univers des décors etc. Bref, c'est là que l'émerveillement fonctionne le mieux, et que la variété des scènes est la plus grande. Dans les deux autres, on a surtout des batailles, et globalement moins de magie, laissant plus de place à l'action pure... Pour le reste, les amateurs de Tolkien ne devraient pas oublier que toutes ces mythologies guerrières avec super héros sont tout de même bien balourdes et favorisent des idéologies douteuses (race supérieure, sous-hommes, prédestination de héros élus et autres fantasmes de surhumanité à la Wagner), et qu'il vaut mieux ne pas les prendre au sérieux...

- "Matrix" d'Andy et Larry Wachowski (1999) : quitte à évoquer des films que je ne vous fais pas découvrir, autant continuer avec celui-là... Là encore, il s'agit de sauver l'humanité (ou ce qu'il en reste), de l'emprise des robots et d'un monde virtuel cette fois, mais ça n'est sans doute pas ça le plus important ni ce qui fait la qualité de ce film. Car c'est en effet un très bon film de science-fiction qui marquera l'histoire du genre à plus d'un titre. Le plus flagrant, c'est l'univers esthétique très sophistiqué et stylisé, et où les costumes concourent à produire un effet de chic, d'élégance, et de noblesse pour les personnages principaux. C'est d'ailleurs peut-être ce dernier aspect qui vieillira le moins bien, car ça sera assez vite daté et donc démodé. Mais l'atmosphère produite est originale, dépaysante et captivante. L'innovation de ce film tient aussi, comme tout le monde le sait, dans ses trucages, qui ont inauguré une nouvelle façon de voir et traiter l'espace et les scènes d'action, rendues ici aussi belles que de la danse, fruit de véritables chorégraphies, où les ralentis font entrer dans une dimension esthétisante des combats... Ça s'est déjà vu avant, mais pas de cette façon, rendue possible grâce aux prouesses technologiques. Enfin, le jeu sur l'écart indiscernable entre le monde virtuel et le monde réel, le deuxième se limitant à un univers de rats dans leur trou, jeu qui donnera d'ailleurs lieu à des interprétations philosophiques, produit un certain vertige qui fascine... Mais là encore, le premier volet est nettement préférable aux deux suivants, car il est clos sur lui-même, n'a donc pas besoin de suite, et fait passer progressivement d'un monde à l'autre, ne dévoilant les prouesses techniques que peu à peu, ménageant le suspense, et bénéficiant des scènes d'exposition qui mettent en place la magie du film. Les deux autres volets ne sont que des suites de scènes d'action plus ou moins captivantes, plutôt répétitives, où les effets spéciaux, d'ailleurs pas toujours convaincants, prennent le pas sur le reste, et où le design des décors et costumes, plus marqués encore que dans le premier, prend assez vite un côté kitsch.... Mention spéciale tout de même pour le duel final du troisième volet, sous la pluie, morceau d'anthologie dans le genre...

- "Master and Commander : de l'autre côté du monde" de Peter Weir (2003) : sera un jour aussi réputé qu'un classique comme "Les révoltés du Bounty" (1962, Lewis Milestone)... Film d'action par excellence, avec batailles navales de vieux gréements, scènes réalistes à couper le souffle, beauté de l'image, un très bon divertissement qui ne marque pas la mémoire, mais captive pendant plus de 2 heures... C'est simplement l'histoire d'un commandant de navire anglais qui décide de retrouver le vaisseau français qui lui a fait subir de grosses avaries et de le couler, car, par sa puissance, il représente un danger pour la flotte anglaise... Rien de plus, mais c'est suffisant...

- "Les autres" d'Alejandro Amenabar (2001) : exactement ce qu'on entend de positif par un "petit" film. Un scénario très bien ficelé qui captive le spectateur, un univers original, une réalisation soignée et très efficace, pas de faute de goût, et un très bon moment passé... A Jersey, à la fin de la seconde guerre mondiale, une femme attend le retour de son mari qui n'est pas encore revenu du front. Dans sa grande et belle maison isolée, elle fait attention à ses deux enfants qui, atteints d'une maladie bizarre, ne supportent pas la lumière du jour. Trois nouveaux domestiques arrivent et doivent à tout prix respecter les règles mises en place pour la santé des enfants... Mais l'ambiance s'alourdit peu à peu, les domestiques semblent étranges et garder un secret... La maison devient de plus en plus inquiétante, et le suspense très bien entretenu se clôt sur un dénouement parfaitement inattendu. Le savoir-faire du cinéaste est tel que, sans aucun effet d'horreur, sans effets spéciaux, il parvient à nous tenir en haleine de bout en bout... Nicole Kidman y est très bien.

- "Delicatessen" de Jean-Pierre Jeunet et Marc Caro (1991) : film loufoque, à l'esthétique unique d'après fin du monde, aux couleurs sombres et lugubres, aux personnages cocasses et improbables, à l'atmosphère à la fois pesante et burlesque, dessinant un univers totalement original. Un ancien clown débarque dans un immeuble où il est embauché comme gardien, et découvre le manège étrange qui permet au boucher dont la boutique occupe le rez-de-chaussée de nourrir les habitants... A cela s'ajoutent les troglodytes qui vivent dans les sous-sols du quartier et constituent une menace pour la survie. Drôle, étrange, atypique, ce film est déjà un classique.

- "Le fabuleux destin d'Amélie Poulain" de Jean-Pierre Jeunet (2001) : Ah, voilà de quoi parler un peu ! Voilà par excellence le film qui n'est pas jugé pour ce qu'il est mais pour les rumeurs qui ont couru à son sujet... Il a été désigné comme un chef d'œuvre (qu'il n'est pas) à grand renfort de matraquage médiatique ; du coup, beaucoup se sont senti intelligents en le démolissant avec un air méprisant. Il a fait un énorme succès populaire ; il a été alors de bon ton de le juger avec condescendance. Les Américains l'ont adoré, y voyant l'image fantasmée de la France et du Paris imaginaires pour touristes ; alors on l'a dit poujadiste et complaisant... Bref, que d'avis sans pensée sur ce film, que de snobisme aussi... Passé le temps des préjugés, il reste un "petit" film très bien fait, agréable à regarder, avec beaucoup de charme, très habile, drôle, attendrissant, dessinant un univers attachant et caricatural, avec un parti pris esthétique original et marqué, comme toujours chez Jeunet. Pourquoi bouder son plaisir ? En revanche, si on est allergique à Audrey Tautou, mieux vaut s'abstenir... Ah oui, j'oubliais : c'est l'histoire d'une jeune femme, dans un Montmartre imaginaire, qui se met en tête de faire le bien autour d'elle, à force de manigances et à l'insu de ceux qui font l'objet de son attention... Elle est ainsi amenée à découvrir aussi son propre bonheur par la découverte de l'amour...

- "Le déclin de l'empire américain" de Denys Arcand (1986) : 4 bobos et leurs femmes, petite quarantaine réussie, se réunissent chez l'un d'eux autour d'un repas... Pendant que les hommes le préparent, les femmes se retrouvent dans un club de gym... Tous vont parler de sexe. Les dialogues sont savoureux, crus, drôles, et l'accent québecquois des acteurs ajoute beaucoup de charme. C'est enlevé, intelligent, comique et désabusé... Du coup, on peut aussi regarder la suite, tournée 15 ans après, avec à peu près les mêmes acteurs : "Les invasions barbares" (2003). On y retrouve la même verve, mais le ton est plus grave, puisque les mêmes amis se réunissent autour de l'agonie de l'un d'eux, pour l'aider à mourir, occasion de faire le point sur les ratages...

- "C'est arrivé près de chez vous" de Rémy Belvaux (1992, noir et blanc) : attention, c'est du très lourd, et âmes sensibles, mieux vaut vous abstenir... Déjà, sachez que c'est le premier rôle de Benoît Pœlvoorde, qui ne donnait déjà pas dans la dentelle... Ensuite, c'est un film à l'humour tellement noir qu'il en devient "dégueulasse"... Filmé comme un documentaire, il nous fait suivre un tueur (Pœlvoorde), accompagné par une équipe de tournage qui fait un reportage sur lui, dans ses activités qu'il commente avec beaucoup de complaisance, et avec un sens de l'honneur des plus douteux et très "beauf"... Film franchement comique mais sans doute le plus grinçant que j'aie vu, il n'hésite pas à montrer ce qu'aucun autre film n'a montré, avec une nonchalance qui en fait le charme, et qui passe grâce au noir et blanc : il y a en effet des scènes de meurtre et de viol qui seraient insupportables en couleur... Il n'empêche que le film est tellement outré qu'il en est réjouissant à force d'être iconoclaste et mal élevé... Vous apprendrez comment on tue une personne âgée sans user de balle, ce qu'est le coktail "petit Grégory", comment on étouffe un enfant pour l'empêcher de crier, et d'autres choses tout aussi indispensables... Ne vous y trompez pas, ce film est une véritable charge contre le voyeurisme de notre société complaisante avec la violence, car, là où les images télévisuelles nous permettent toujours de garder bonne conscience en nous montrant le pire, Belvaux met l'amoralité (et non l'immoralité) la plus totale, tuer se faisant ici sans état d'âme, et sans complaisance non plus...

- "Louise-Michel" de Gustave Kervern et Benoît Delépine (2008) : sûrement pas un chef-d'œuvre, et globalement plutôt lourd, ce film provocateur est malgré tout réjouissant, parce que, d'une part, il dénonce la réalité économique d'aujourd'hui, où les entreprises et leurs employé(e)s sont liquidé(e)s par des financiers sans scrupule, qui ne savent même pas à quoi les usines ressemblent, et décident du sort des gens de leur villa, protégés par l'écran des paradis fiscaux (mais rassurez-vous, ça n'a rien d'un documentaire), et d'autre part, parce que ce film montre ce que personne n'a encore osé filmer : des petites gens qui butent les patrons voyous ! Ça donne des idées... En tout cas, c'est une comédie loufoque, à la fois drôle et désenchantée, choquante et tendre, complètement barrée et malgré tout réaliste... C'est donc l'histoire de couturières qui découvrent un matin en allant à l'usine que celle-ci a été vidée durant la nuit de toutes les machines, et qu'elles sont au chômage... Avec leurs petites indemnités de licenciement, elles décident de payer un tueur à gage pour liquider le patron. L'une d'elles, taciturne et à l'origine de cette drôle d'idée (Yolande Moreau), est chargée de trouver l'oiseau rare, Michel (Bouli Lanners), qui a plein d'armes mais n'est pas capable de tuer, et se lance avec lui à la recherche du responsable de cette faillite... A eux d'eux, ils vont aller vers un dénouement inattendu, en une suite de gags plus ou moins réussis, parfois franchement iconoclastes (ça fait du bien).

- "Séraphine" de Martin Provost : pas un grand film, mais un film méticuleux, retraçant avec beaucoup de soin la vie d'une femme illettrée de Senlis devenue artiste peintre reconnue grâce un marchand d'art allemand venu dans cette ville pour se reposer. Joué superbement par Yolande Moreau, le personnage fruste, attachant dans son approche naïve et obstinée de la peinture, est suivi jusqu'à la fin de sa vie, par le biais de ses rapports avec ce marchand avant-gardiste, qui va faire tout ce qu'il peut pour faire découvrir son œuvre. Film et rôle touchants, reconstitution impeccable de la province française de la première moitié du XXème siècle, et un rythme suffisamment lent pour s'imprégner de cette vie simple. Un petit film réussi.

- "The pledge" de Sean Penn (2001) : Sean Penn n'est pas seulement un très bon acteur (comme dans "La ligne rouge"), mais aussi un très bon cinéaste... Dans ce film lent, presque contemplatif, il nous raconte une histoire troublante, celle de la dérive d'un policier qui, arrivé à la retraite, se met en tête de mener une dernière enquête : une petite fille a été trouvée violée et assassinée dans la neige du Nevada ; devant la douleur de la mère, il lui fait la promesse (le titre signifie "la promesse", mais est resté en anglais dans la distribution française) de retrouver l'assassin à n'importe quel prix... Et le prix sera élevé. N'attendez pas un énième film d'action et de violences policières à la cow-boy comme en regorge le cinéma américain. D'abord, le policier est joué par un Jack Nicholson vieillissant, immense acteur qui trouve là un de ses plus beaux rôles : dans le film, c'est un calme amateur de pêche, et c'est à ce rythme que son enquête se rapproche lentement de la vérité... Ensuite, les paysages magnifiques et le temps de la nature ont autant de place que les acteurs. Enfin, le dénouement n'est pas la résolution traditionnelle de ce genre d'énigme policière... C'est un vraiment beau film, original et fort, doux et triste, amer et sensible, où la profondeur des sentiments compte plus que l'action...

- "Priscilla folle du désert" de Stephan Elliott (1994) : road movie foutraque, original, délirant et très drôle, il raconte la traversée de l'Australie, dans un bus capricieux appelé "Priscilla", de deux "dragqueen" et d'un transsexuel partis pour un engagement dans un show à l'autre bout du pays... Outrancier à souhait, le film propose des paysages magnifiques, des costumes pour le moins voyants et excentriques, des idées de scénario originales, des scènes épiques, des réparties bien envoyées, aussi beaucoup de tendresse, un très bon divertissement et aucun moment d'ennui. Et la musique d'Abba, entre autres chansons de mauvais goût, accompagne parfaitement l'équipée... Un régal.

- "Fargo" (1996), "Sang pour sang" (1984), "Barton Fink" (1991), "The big Lebowski" (1998), "Le grand saut" (1994)  d'Ethan et Jœl Cœn : je triche, puisque je vous donne d'un coup une brochette de films d'un (de deux) même(s) réalisateur(s)... Pourquoi ? Si je trouve leur cinéma plaisant et même assez réjouissant, et s'il a un style reconnaissable qui désigne ces deux messieurs comme des auteurs à part entière, il n'empêche que je ne suis pas sûr de devoir les classer parmi les grands... Il n'en demeure pas moins que les films cités sont originaux, atypiques, et peuvent d'ailleurs ne pas plaire, si on n'est pas sensible à l'esprit très particulier qui les anime. Dans la liste ci-dessus, hormis "Le grand saut", qui est un gentil et rafraîchissant conte de Noël fantastique, superbement filmé, centré sur un inventeur fantasque et naïf qui va devenir le grand patron d'une firme industrielle malgré lui, joué idéalement par Tim Robbins, et secondé par une adorable et insupportable Jennifer Jason Leigh, les films des frères Cœn sont souvent de sinistres histoires de crimes. Filmés avec cynisme et un ton bizarre et décalé, où le sang n'est pas caché, ni le sordide, ni la médiocrité de protagonistes assez crétins, ils ne semblent pas avoir d'empathie pour les personnages (Fargo, Sang pour sang, Barton Fink, The big Lebowski, plus léger que les trois précédents), ce qui fait qu'on ne sait pas à l'avance ce qui va leur arriver, et tout peut leur arriver, même la mort... Les repères ordinaires sont trompés, les personnages sont atypiques et le fil de l'histoire bifurque facilement. Le pire est toujours possible. Et bien que sordide, c'est drôle... Les situations criminelles sont souvent cocasses et on regarde assez vite les personnages comme des bêtes bizarres aux comportements sans explication.

- "Soleil trompeur" de Nikita Mikhalkov (1994) : une réunion de famille par une belle journée d'été de 1936, dans une agréable datcha russe où habite un héros de la révolution soviétique, le colonel Kotov, joué par le réalisateur. Un homme oublié depuis dix ans, ancien amoureux de la femme du colonel, débarque et vient troubler l'harmonie de la réunion familiale... Il est maintenant au service de la police politique de Staline... Pourquoi vient-il ? Un film magnifique, fort, troublant, qui à la fois capte merveilleusement la douceur de vivre d'un moment privilégié, et rend plus odieuse la menace qui veille sur ce monde sur le point de disparaître... Je crois bien que celui-là est un "grand" film, malgré une fin un peu trop appuyée...

- "Chat noir chat blanc" d'Emir Kusturica (1998) : il s'agit du film le plus foutraque de ce cinéaste serbe, dont je n'aime pas les autres productions. Une histoire rocambolesque, à l'humour potache et grossier, burlesque et loufoque, où l'on assiste à une succession de péripéties grotesques, avec des personnages truculents, un rythme alerte, une musique tonitruante et festive. Il s'agit des aventures d'un gitan des bords du Danube, aux combines douteuses et minables, qui se retrouve dans l'obligation, suite à une arnaque ratée, de marier son fils à la sœur naine du caïd de la mafia du coin qui l'a floué, Dadan, personnage excessif et haut en couleurs. Comme ce fils est déjà amoureux d'une autre, les embrouilles se multiplient, jusqu'à un dénouement abacadabrant. C'est drôle, iconoclaste, délirant et complètement branque...

- "Lady Chatterley" de Pascale Ferran (2006) : beau film émouvant, reprenant le célèbre livre de D.H. Lawrence, déjà mis en images plusieurs fois, mais ici avec un point de vue original et très fort. C’est l’histoire d’une femme noble délaissée par son mari qui découvre avec son garde-chasse le plaisir des sens et de l’amour. Dit comme ça, ça annonce un banal film érotique. Mais ça n’est pas un film érotique, et si les corps sont assez souvent nus, c’est par la nécessité du récit, par la force des sentiments, et c’est sublimé par l’accord entre ces scènes et l’omniprésence de la nature où se déroule cette passion amoureuse, puisque le cadre de cette histoire est la campagne. Pas de voyeurisme ici, pas de complaisance racoleuse, mais la force du désir filmé avec beaucoup de sobriété.

- " Se souvenir des belles choses " de Zabou Breitman (2001) : a priori un "petit film" français... mais en réalité un vrai bijou de sensibilité et de justesse qui bouleverse durablement. C'est l'histoire croisée et improbable de deux accidentés de la vie qui se rencontrent dans le même hôpital psychiatrique, l'homme (Bernard Campan) tenaillé par une culpabilité l'empêchant de vivre, et la jeune femme (sublime Isabelle Carré), atteinte d'une forme précoce de maladie d'Alzheimer... Une histoire d'amour originale et forte, un moment d'émotion rare avec une actrice particulièrement touchante...